Película

Superman Christopher Reeve muere a los 52 años

El 10 de octubre de 2004, el actor Christopher Reeve, quien se hizo famoso por su papel protagónico en cuatro películas de Superman, muere de insuficiencia cardíaca a la edad de 52 años en un hospital cerca de su casa en el condado de Westchester, Nueva York. Reeve, que quedó paralizado en un accidente de equitación en 1995, era un ...Lee mas

El futuro presidente Ronald Reagan se desempeña en la unidad de cine

El 27 de enero de 1943, el futuro presidente Ronald Reagan, primer teniente del Cuerpo Aéreo del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial, se encuentra en una asignación de servicio activo con la Primera Unidad de Cinematografía del Ejército. Técnicamente, Reagan era un oficial de relaciones públicas de la unidad, sin embargo, Warner Brothers Studios y el ...Lee mas

Se abre "El nacimiento de una nación", glorificando al KKK

El 8 de febrero de 1915, D.W. El nacimiento de una nación de Griffith, una película histórica en la historia del cine, se estrena en el Auditorio de Clune en Los Ángeles. La película fue el primer largometraje de Estados Unidos y un éxito de taquilla, y durante sus tres horas sin precedentes ...Lee mas

La larga controversia religiosa de "A Wrinkle in Time"

Desde su publicación en 1962, A Wrinkle in Time se ha convertido en uno de los libros prohibidos o cuestionados con más frecuencia, por múltiples razones. La gente ha argumentado que es demasiado complicado para los niños y los críticos anteriores desaprobaron a su valiente protagonista femenina. Entre conservadores ...Lee mas

Ganadores de premios de la Academia que rechazaron sus Oscar

Se ha convertido en un cliché para los actores, escritores y directores decir que no les importa ganar un Premio de la Academia, incluso si lo hacen. Pero en los 90 años de historia de los Oscar, ha habido muy pocas personas que ganaron una estatuilla de caballero de oro y luego le dijeron a la Academy of Motion. ...Lee mas

Las peleas más grandes de Hollywood clásico

1. Jerry Lewis y Dean Martin: del auge al fracaso Cuando uno de los equipos más exitosos en la historia de la comedia se retiró en 1956 después de una carrera de 10 años, sus fanáticos se sorprendieron. Juntos, Martin y Lewis habían hecho 16 películas, protagonizado un programa de variedades de televisión de alta calificación y ...Lee mas

8 formas en las que el 'Star Trek' original hizo historia

1. Un veterano de la Segunda Guerra Mundial, Gene Roddenberry creó un programa sobre la lucha en otra guerra mundial, esta vez en el espacio. Después de pilotar un bombardero B-17 en el Cuerpo Aéreo del Ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Roddenberry sirvió en el Departamento de Policía de Los Ángeles antes de comenzar a escribir para ...Lee mas

La verdadera historia que inspiró "Star Wars"

Cuando George Lucas desarrolló la trama de "Star Wars" y creó a sus héroes y villanos, aprovechó los elementos de la teología, el misticismo y la mitología, así como su conocimiento de las películas clásicas. Y como corresponde a una historia ambientada "hace mucho tiempo", la historia de la vida real también jugó un ...Lee mas

8 cosas que quizás no sepa sobre "El mago de Oz"

1. Antes de ser famoso, Baum trabajó como criador de aves de corral, actor y vendedor ambulante. Baum tenía 44 años cuando se publicó "El maravilloso mago de Oz" y para entonces ya había probado suerte en una variedad de trabajos. Cuando era joven en el norte del estado de Nueva York, crió gallinas premiadas, ...Lee mas

La verdadera historia detrás de "The Sound of Music"

1. Los von Trapps solo tuvieron que cruzar las vías del tren detrás de su villa, no los Alpes, para escapar de los nazis. En la escena culminante de "The Sound of Music", los von Trapps huyen de Salzburgo, Austria, al amparo de la noche y caminan por las montañas circundantes para ponerse a salvo en ...Lee mas

7 cosas que quizás no sepa sobre Walt Disney

1. Disney tiene un origen humilde. Nacido en Chicago el 5 de diciembre de 1901, Walt Disney, el cuarto de cinco hijos, se mudó con su familia a una granja en Marceline, Missouri, cuando tenía cuatro años. Fue en Marceline, una comunidad de un pequeño pueblo que Disney recordaba cuando era adulto ...Lee mas

Los hermanos Lumière, pioneros del cine

Después de que su padre, Antoine, un conocido retratista convertido en fotógrafo, abriera un pequeño negocio de planchas fotográficas con sede en Lyon, Louis Lumière comenzó a experimentar con el equipo que fabricaba su padre. En 1881, Louis, de 17 años, inventó un nuevo "plato seco" ...Lee mas

El actor ganador del Oscar Robin Williams muere a los 63 años

Robin Williams, el prolífico actor y comediante ganador del Oscar, murió por suicidio el 11 de agosto de 2014. Tenía 63 años. En la pantalla grande, Williams, que nació en Chicago en 1951, hizo su debut en la comedia de bajo presupuesto de 1977. "¿Puedo hacerlo hasta que necesite anteojos?" luego pasó a aparecer en ...Lee mas

Fallece el ícono de Hollywood Lauren Bacall

El 12 de agosto de 2014, la actriz Lauren Bacall, quien saltó a la fama en su película debut, "To Have and Have Not" de 1944, en la que apareció junto a Humphrey Bogart, con quien tendría un romance legendario, muere en su Nueva York. City a los 89 años. En una carrera que abarcó casi 70 ...Lee mas

9 cosas que quizás no sepa sobre Alfred Hitchcock

1. Una de sus primeras películas se pierde en la historia. Después de un período de seis años en los departamentos de ventas y publicidad de una compañía de telégrafos, Hitchcock, de 21 años, dio el salto al negocio del cine en 1921. oportunidad de dirigir un largometraje con “The ...Lee mas

9 cosas que quizás no sepas sobre Charlie Chaplin

1. Chaplin hizo su debut en el escenario cuando era un niño. Ambos padres de Chaplin eran animadores de music hall en Londres. En su autobiografía, describió cómo, a los 5 años, la voz de su madre falló repentinamente frente a una multitud de soldados alborotadores. El director de escena, o posiblemente su padre o uno ...Lee mas


Historia del Cine

La historia del cine se remonta a la antigua Grecia y el teatro y la danza rsquos, que tenía muchos de los mismos elementos en el mundo del cine actual y rsquos. Pero los avances tecnológicos en el cine se han producido rápidamente durante los últimos 100 años. A partir de la era victoriana, se han desarrollado y dominado muchos dispositivos de cámara, proyectores y tamaños de película, creando la industria cinematográfica que conocemos hoy.

Desde obras de teatro clásicas griegas representadas en vivo en antiguos anfiteatros y máquinas de cinco centavos en carnavales, imágenes destellantes que crearon la ilusión de un desnudo bailando, hasta nuestra tecnología digital moderna y efectos especiales, la historia del cine es una historia larga y exitosa. Si busca a un estudiante internacional que quiera estudiar cine en los EE. UU., Es probable que en sus clases aprenda todo sobre el zoótropo, el kinetoscopio y muchos otros & ldquoscopes & rdquo y & ldquotropes & rdquo, así como la rica historia del arte de la narración.

El teatro y la danza existen desde hace miles de años. Muchos de los elementos del teatro y la danza son la base de la industria cinematográfica moderna, como guiones, iluminación, sonido, vestuario, actores y directores. Como los inventos tecnológicos actuales, los griegos tuvieron que inventar el anfiteatro perfecto para que sus audiencias a gran escala, a veces 1.400 personas, pudieran escuchar la obra. Los matemáticos pasan días creando un escenario perfecto para la acústica.

En la era victoriana, las invenciones del cine parecían surgir rápidamente, cada una construyéndose a partir de la otra, creando una era monumental en la historia del cine. Uno de los primeros inventos que involucran imágenes fijas que parecían moverse fue el taumatropo, en 1824. El taumatropo puede parecer de alta tecnología, pero era tan trivial como un juguete. De hecho, ¡era un juguete! El taumatropo era un disco o tarjeta con imágenes en ambos lados y cuerdas atadas a un lado. Para operar, uno simplemente retorcía las cuerdas y las dos imágenes se fusionarían para crear una.

Menos de una década después de la invención del taumatropo, Joseph Plateau inventó el fantascopio, que era un disco ranurado con imágenes situadas alrededor del perímetro del disco. Cuando se hizo girar el disco, las imágenes parecían moverse. Poco después, se creó el zoótropo. Era muy similar al fantascopio, excepto que consistía en un tambor hueco con manivela.

La película es sinónimo de imagen en movimiento, por lo que puede tener una película sin una imagen. Ahí es donde entra el daguerrotipo. El daguerrotipo, inventado en 1839 por el pintor francés Louis-Jacques-Mande Daguerre, fue el primer proceso fotográfico comercialmente exitoso. Funcionó capturando imágenes fijas en placas de cobre plateadas. Pero antes del daguerrotipo, ya en el 470 a. C., estaba la cámara oscura. Era un artilugio primitivo donde una caja con un agujero en un lado dejaba pasar la luz, golpeando una superficie interior que creaba una imagen coloreada al revés.

En 1878, Eadweard Muybridge llevó a cabo un experimento para determinar si un caballo corriendo alguna vez tenía las cuatro patas levantadas del suelo. Tomando fotografías a una milésima de segundo, las cámaras se dispusieron a lo largo de la pista de caballos, siendo tropezados por un cable cuando los cascos de los caballos y rsquos entraron en contacto con él. Fue un éxito para el desarrollo cinematográfico. Por cierto, el Sr. Muybridge pudo demostrar que las patas del caballo y rsquos se levantaron del suelo todas a la vez.

Todos estos inventos engañaban al ojo haciéndole creer que las imágenes fijas se movían. Una verdadera imagen en movimiento necesitaba tener imágenes de una fracción de segundo en una película transparente. Etienne-Jules Marey inventó la pistola cronofotográfica en 1882, que tomaba 12 fotogramas por segundo en la misma imagen. Este fue un gran paso para el cine y un hito en la historia del cine.

Charles Francis Jenkins inventó el primer proyector de películas patentado, llamado fantoscopio, a principios de la década de 1890. Los hermanos Lumiere en Francia inventaron el cinematógrafo casi al mismo tiempo, que era un proyector portátil de mano. La palabra cine nació de este invento y los hermanos proyectaron diez cortometrajes en su proyector en la primera sala de cine del mundo & rsquos, el Salón Indien.

Durante treinta años reinó la era muda hasta 1923. Hasta entonces la narración y el diálogo se presentaban en intertítulos.

En 1903, se proyectó "El gran robo del tren", de diez minutos de duración, y fue la primera narrativa occidental con una trama. Anteriormente, las películas eran solo acciones de cosas mundanas como un baile corto, un saludo o un beso.

A principios de la década de 1900, las monedas de cinco centavos se convirtieron en un escape para la clase media, permaneciendo abiertas desde la mañana hasta la medianoche. Pero a menudo tenían mala reputación por sus programas, que involucraban delitos, violencia y conducta sexual. Y así se transformaron en salas de cine más bonitas y lujosas que cobraban una entrada más alta.

Una década más tarde, la industria decidió anular sus temores de que el público estadounidense no se sentaría a ver un programa de una hora y comenzaría a estrenar películas más largas como Dante & rsquos Inferno, Oliver Twist y Queen Elizabeth.

En la década de 1920, se estaban haciendo estrellas de cine, su rostro reconocido y elogiado. También en la década de 1920, el sonido hizo su aparición en & ldquoThe Jazz Singer & rdquo, que utilizaba el sistema vitaphone. & ldquoTalkies & rdquo fueron las películas del futuro y se desarrollaron métodos de sonido sobre película, incluidos el movietone, el phonofilm y el fotófono. Con la introducción del sonido, había comenzado la Edad de Oro.

Durante la década de 1940, apareció un auge de la propaganda y las películas patrióticas. & ldquoWoman & rsquos pictures & rdquo también alcanzaron su punto máximo durante este tiempo.

Durante la década de 1950, la televisión provocó el cierre de muchas salas de cine.

En la década de 1960, muchas películas se filmaron en países extranjeros en exteriores y hubo un aumento de la popularidad entre las películas extranjeras.

La década de 1970 vio un renacimiento de los rasgos de las películas de la Edad de Oro. Llamada la era & ldquopost-clásica & rdquo, las películas de esta década se caracterizaron por protagonistas sombríos, finales con un giro y flashbacks. Los cines para adultos también comienzan a echar raíces. Se extinguieron en la década de 1980 cuando la videograbadora permitió la visualización en casa.

La década de 1990 vio el éxito de películas independientes, como & ldquoPulp Fiction & rdquo. Las películas de efectos especiales cautivaron al público. Los DVD reemplazaron a las videograbadoras para los medios de visualización domésticos.

A principios del siglo XXI, las películas documentales y las películas en 3D se han vuelto muy populares. La tecnología IMAX también se ha utilizado cada vez más. Ahora disfrutamos viendo películas en muchas formas diferentes, como en la computadora o en un teléfono móvil. Con las invenciones de la transmisión en línea, las cámaras de mano y portátiles y el intercambio de archivos, la infracción de los derechos de autor de las películas se ha extendido.

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Contenido

En una mansión llamada Xanadu, parte de una vasta finca palaciega en Florida, el anciano Charles Foster Kane está en su lecho de muerte. Sosteniendo una bola de nieve, pronuncia una palabra, "Rosebud", y muere. Un obituario de noticiero cuenta la historia de vida de Kane, un editor de periódicos y magnate industrial enormemente rico. La muerte de Kane se convierte en una noticia sensacional en todo el mundo, y el productor del noticiero le pide al reportero Jerry Thompson que descubra el significado de "Rosebud".

Thompson se propone entrevistar a los amigos y socios de Kane. Intenta acercarse a su segunda esposa, Susan Alexander Kane, ahora alcohólica que dirige su propio club nocturno, pero ella se niega a hablar con él. Thompson acude al archivo privado del difunto banquero Walter Parks Thatcher. A través de las memorias escritas de Thatcher, Thompson se entera del ascenso de Kane desde una pensión en Colorado y del declive de su fortuna personal.

En 1871, se descubrió oro a través de una escritura minera perteneciente a la madre de Kane, Mary Kane. Contrató a Thatcher para establecer un fideicomiso que proporcionaría la educación de Kane y asumiría su tutela. Mientras los padres y Thatcher discuten los arreglos dentro de la pensión, el joven Kane juega feliz con un trineo en la nieve afuera. Cuando los padres de Kane le presentaron a Thatcher, el niño golpeó a Thatcher con su trineo e intentó huir.

Cuando Kane ganó el control de su confianza a la edad de 25 años, la productividad de la mina y la prudente inversión de Thatcher lo habían convertido en uno de los hombres más ricos del mundo. Tomó el control de la New York Inquirer periódico y se embarcó en una carrera de periodismo amarillo, publicando artículos escandalosos que atacaban los intereses comerciales de Thatcher (y los suyos propios). Kane vendió su imperio de periódicos a Thatcher después de que la caída del mercado de valores de 1929 lo dejara sin efectivo.

Thompson entrevista al gerente comercial personal de Kane, el Sr. Bernstein. Bernstein recuerda que Kane contrató a los mejores periodistas disponibles para construir el Investigador Circulación. Kane llegó al poder manipulando con éxito la opinión pública con respecto a la guerra hispanoamericana y casándose con Emily Norton, la sobrina del presidente de los Estados Unidos.

Thompson entrevista al mejor amigo de quien se separó, Jedediah Leland, en una casa de retiro. Leland dice que el matrimonio de Kane con Emily se desintegró a lo largo de los años, y comenzó un romance con la cantante aficionada Susan Alexander mientras se postulaba para gobernador de Nueva York. Tanto su esposa como su oponente político descubrieron el asunto y el escándalo público puso fin a su carrera política. Kane se casó con Susan y la obligó a emprender una humillante carrera operística para la que no tenía ni el talento ni la ambición, e incluso construyó un gran teatro de ópera para ella. Después de que Leland comenzara a escribir una crítica negativa del debut de Susan en la ópera, Kane lo despidió, pero terminó la crítica negativa y la imprimió.

Susan acepta una entrevista con Thompson y describe las secuelas de su carrera en la ópera. Kane finalmente le permitió abandonar el canto después de que intentó suicidarse. Después de pasar años dominada por Kane y viviendo aislada en Xanadu, ella lo dejó. El mayordomo de Kane, Raymond, cuenta que, después de que Susan lo dejó, comenzó a destruir violentamente el contenido de su dormitorio. Cuando se topó con una bola de nieve, se calmó y dijo "Rosebud". Thompson concluye que no puede resolver el misterio y que el significado de la última palabra de Kane seguirá siendo un misterio para siempre.

De vuelta en Xanadu, el personal cataloga o desecha las pertenencias de Kane. Encuentran el trineo en el que jugaba Kane, de ocho años, el día que lo sacaron de su casa en Colorado. Lo arrojan con otra basura a un horno y, mientras se quema, la cámara revela su nombre comercial, que el personal no advirtió: "Rosebud".

El comienzo de los créditos finales de la película dice que "La mayoría de los actores principales de Ciudadano Kane son nuevos en el cine. El Mercury Theatre se enorgullece de presentarlos ". [7] El elenco aparece en el siguiente orden:

    como Jedediah Leland, el mejor amigo de Kane y reportero de El indagador. Cotten también aparece (escondido en la oscuridad) en el Noticias de la Marcha sala de proyeccion. [8] como Susan Alexander Kane, la amante y segunda esposa de Kane. [8] como Mary Kane, la madre de Kane. [8] como Emily Monroe Norton Kane, la primera esposa de Kane. [8] como Jim W. Gettys, rival político de Kane para el puesto de gobernador de Nueva York. [8] como Herbert Carter, editor de El indagador. Sanford también aparece (escondido en la oscuridad) en el Noticias de la Marcha sala de proyeccion. [8] como el Sr. Bernstein, amigo y empleado de Kane en El indagador. [8] como Jerry Thompson, reportero de Noticias de la Marcha. Alland también da voz al narrador de la Noticias de la Marcha noticiario. [8] como Raymond, mayordomo de Kane. [8] como Walter Parks Thatcher, un banquero que se convierte en el tutor legal de Kane. [8] como Signor Matiste, entrenador vocal de Susan Alexander Kane. [8] como John, jefe de camareros de la discoteca El Rancho. Schilling también aparece (escondido en la oscuridad) en el Noticias de la Marcha sala de proyeccion. [8] como el Sr. Rawlston, Noticias de la Marcha abierto en el productor. [8] como Bertha Anderson, asistente de la biblioteca de Walter Parks Thatcher. [8] como Jim Kane, el padre de Kane. [8] como Charles Foster Kane III, hijo de Kane. [8] como Charles Foster Kane, de ocho años. [8] como Charles Foster Kane, un rico editor de periódicos. [8]

Además, Charles Bennett aparece como el animador a la cabeza de la línea del coro en el Investigador secuencia de la fiesta, [9]: 40-41 y el director de fotografía Gregg Toland hace un cameo como entrevistador representado en parte de la Noticias de la Marcha noticiario.[10] [11] El actor Alan Ladd, todavía desconocido en ese momento, hace una pequeña aparición como reportero fumando en pipa al final de la película. [12]

Desarrollo Editar

Hollywood había mostrado interés en Welles ya en 1936. [13]: 40 Rechazó tres guiones que le envió Warner Bros. En 1937, rechazó las ofertas de David O. Selznick, quien le pidió que dirigiera el departamento de historia de su compañía cinematográfica. y William Wyler, que lo quería para un papel secundario en cumbres borrascosas. "Aunque la posibilidad de ganar enormes sumas de dinero en Hollywood lo atrajo enormemente", escribió el biógrafo Frank Brady, "todavía estaba total, desesperadamente, locamente enamorado del teatro, y es allí donde tenía toda la intención de seguir haciendo". su marca ". [14]: 118-119, 130

Después de la transmisión de "La guerra de los mundos" de su serie de radio CBS El teatro Mercury en el aireWelles fue atraído a Hollywood con un contrato extraordinario. [15]: 1–2, 153 El director del estudio de RKO Pictures, George J. Schaefer, quería trabajar con Welles después de la notoria transmisión, creyendo que Welles tenía un don para atraer la atención de las masas. [16]: 170 RKO también fue inusualmente rentable y estaba celebrando una serie de contratos de producción independiente que agregarían más películas artísticamente prestigiosas a su lista. [15]: 1–2, 153 Durante la primavera y principios del verano de 1939, Schaefer trató constantemente de atraer a los renuentes Welles a Hollywood. [16]: 170 Welles estaba en problemas financieros después del fracaso de sus jugadas. Cinco reyes y La diosa verde. Al principio, simplemente quería pasar tres meses en Hollywood y ganar suficiente dinero para pagar sus deudas y financiar su próxima temporada teatral. [16]: 170 Welles llegó por primera vez el 20 de julio de 1939 [16]: 168 y en su primera gira, llamó al estudio de cine "el mejor tren eléctrico que un niño haya tenido". [16]: 174

Welles firmó su contrato con RKO el 21 de agosto, que estipulaba que Welles actuaría, dirigiría, produciría y escribiría dos películas. Mercury obtendría $ 100,000 por la primera película para el 1 de enero de 1940, más el 20% de las ganancias después de que RKO recuperara $ 500,000, y $ 125,000 por una segunda película para el 1 de enero de 1941, más el 20% de las ganancias después de que RKO recuperara $ 500,000. El aspecto más controvertido del contrato fue otorgar a Welles el control artístico completo de las dos películas siempre que RKO aprobara las historias de ambos proyectos [16]: 169 y siempre que el presupuesto no supere los 500.000 dólares. [15]: 1–2, 153 ejecutivos de RKO no podrían ver ningún metraje hasta que Welles decidiera mostrárselo, y no se podrían hacer cortes en ninguna de las películas sin la aprobación de Welles. [16]: 169 A Welles se le permitió desarrollar la historia sin interferencias, seleccionar su propio elenco y equipo, y tener el derecho al montaje final. Otorgar el privilegio de corte final no tenía precedentes para un estudio, ya que anteponía las consideraciones artísticas a la inversión financiera. El contrato fue profundamente resentido en la industria del cine, y la prensa de Hollywood aprovechó cada oportunidad para burlarse de RKO y Welles. Schaefer siguió siendo un gran partidario [15]: 1-2, 153 y vio el contrato sin precedentes como una buena publicidad. [16]: 170 El estudioso del cine Robert L. Carringer escribió: "El simple hecho parece ser que Schaefer creía que Welles iba a lograr algo realmente grande, casi tanto como lo hizo él mismo". [15]: 1–2, 153

Welles pasó los primeros cinco meses de su contrato con RKO tratando de poner en marcha su primer proyecto, sin éxito. "Están haciendo apuestas en el lote de RKO de que el acuerdo con Orson Welles terminará sin que Orson haga una película allí", escribió. El reportero de Hollywood. [15]: 15 Se acordó que Welles filmaría Corazón de la oscuridad, previamente adaptado para El teatro Mercury en el aire, que se presentaría íntegramente a través de una cámara en primera persona. Después de una elaborada preproducción y un día de rodaje de prueba con una cámara de mano, algo inaudito en ese momento, el proyecto nunca llegó a la producción porque Welles no pudo recortar 50.000 dólares de su presupuesto. [a] [b] [17]: 30–31 Schaefer le dijo a Welles que el presupuesto de $ 500,000 no podía excederse mientras se avecinaba la guerra, los ingresos estaban disminuyendo drásticamente en Europa en el otoño de 1939. [14]: 215–216

Luego comenzó a trabajar en la idea que se convirtió Ciudadano Kane. Sabiendo que la preparación del guión tomaría tiempo, Welles sugirió a RKO que mientras se hacía eso, "para que no se perdiera el año", haría un thriller político humorístico. Welles propuso El que sonríe con un cuchillo, de una novela de Cecil Day-Lewis. [17]: 33–34 Cuando ese proyecto se estancó en diciembre de 1939, Welles comenzó a intercambiar ideas sobre otras historias con el guionista Herman J. Mankiewicz, que había estado escribiendo guiones de radio sobre Mercury. "Discutiendo, inventando, descartando, estas dos personalidades poderosas, testarudas y deslumbrantemente articuladas lucharon contra Kane", escribió el biógrafo Richard Meryman. [18]: 245–246

Edición de guión

Una de las controversias de larga data sobre Ciudadano Kane ha sido la autoría del guión. [18]: 237 Welles concibió el proyecto con el guionista Herman J. Mankiewicz, que estaba escribiendo obras de radio para la serie CBS Radio de Welles, La casa de juegos de Campbell. [15]: 16 Mankiewicz basó el esquema original en la vida de William Randolph Hearst, a quien conocía socialmente y llegó a odiar después de ser exiliado del círculo de Hearst. [18]: 231

En febrero de 1940, Welles suministró a Mankiewicz 300 páginas de notas y lo contrató para escribir el primer borrador del guión bajo la supervisión de John Houseman, antiguo socio de Welles en el Mercury Theatre. Welles explicó más tarde: "Finalmente lo dejé solo, porque habíamos comenzado a perder demasiado tiempo regateando. Entonces, después de acuerdos mutuos sobre la historia y el personaje, Mank se fue con Houseman e hizo su versión, mientras yo me quedaba en Hollywood y escribí el mío ". [17]: 54 Al tomar estos borradores, Welles los condensó y reorganizó drásticamente, luego agregó escenas propias. La industria acusó a Welles de subestimar la contribución de Mankiewicz al guión, pero Welles contrarrestó los ataques diciendo: "Al final, naturalmente, yo era quien hacía la película, después de todo, quien tenía que tomar las decisiones. Usé lo que quería de Mank y, con razón o sin ella, me quedé con lo que me gustaba ". [17]: 54

Los términos del contrato establecían que Mankiewicz no recibiría crédito por su trabajo, ya que fue contratado como médico guionista. [19]: 487 Antes de firmar el contrato, Mankiewicz fue advertido especialmente por sus agentes de que todo el crédito por su trabajo pertenecía a Welles y al Mercury Theatre, el "autor y creador". [14]: 236-237 A medida que la película se acercaba al estreno, sin embargo, Mankiewicz comenzó a querer un crédito como guionista e incluso amenazó con publicar anuncios de página completa en periódicos comerciales y conseguir que su amigo Ben Hecht escribiera una exposición para The Saturday Evening Post. [20] Mankiewicz también amenazó con ir al Screen Writers Guild y reclamar todo el crédito por haber escrito todo el guión por sí mismo. [16]: 204

Después de presentar una protesta ante el Screen Writers Guild, Mankiewicz la retiró y luego vaciló. La cuestión se resolvió en enero de 1941 cuando el estudio, RKO Pictures, otorgó crédito a Mankiewicz. El formulario de crédito del gremio incluía a Welles en primer lugar y en segundo lugar a Mankiewicz. El asistente de Welles, Richard Wilson, dijo que la persona que marcó con lápiz el nombre de Mankiewicz y luego dibujó una flecha que lo puso en primer lugar fue Welles. El crédito oficial dice: "Guión de Herman J. Mankiewicz y Orson Welles". [18]: 264–265 El rencor de Mankiewicz hacia Welles creció durante los 12 años restantes de su vida. [21]: 498

Preguntas sobre la autoría del Ciudadano Kane El guión fue revivido en 1971 por la influyente crítica de cine Pauline Kael, cuyo controvertido ensayo de 50.000 palabras "Raising Kane" fue encargado como introducción al guión de rodaje en El libro de Citizen Kane, [17]: 494 publicado en octubre de 1971. [22] El ensayo de extensión de libro apareció por primera vez en febrero de 1971, en dos números consecutivos de El neoyorquino revista. [17]: 494 [23] En la controversia que siguió, Welles fue defendido por colegas, críticos, biógrafos y eruditos, pero sus acusaciones dañaron su reputación. [21]: 394 La tesis del ensayo fue luego cuestionada y algunos de los hallazgos de Kael también fueron cuestionados en años posteriores. [24] [25] [26]

Las cuestiones de autoría siguieron teniendo un enfoque más nítido con el ensayo minuciosamente investigado de 1978 de Carringer, "Los guiones del ciudadano Kane". [27] [c] Carringer estudió la colección de registros de guiones, "casi un registro del día a día de la historia del guión", que todavía estaba intacto en RKO. Revisó los siete borradores y concluyó que "la evidencia completa revela que la contribución de Welles a la Ciudadano Kane El guión no solo era sustancial sino definitivo ". [27]: 80

Welles nunca confirmó una fuente principal para el personaje de Charles Foster Kane. Houseman escribió que Kane es una síntesis de diferentes personalidades, con la vida de Hearst utilizada como fuente principal. Se inventaron algunos eventos y detalles, [29]: 444 y Houseman escribió que él y Mankiewicz también "injertaron anécdotas de otros gigantes del periodismo, incluidos Pulitzer, Northcliffe y el primer jefe de Mank, Herbert Bayard Swope". [29]: 444 Welles dijo: "El Sr. Hearst se parecía un poco a Kane, aunque Kane no se basa realmente en Hearst en particular. Mucha gente se sentó, por así decirlo". [30]: 78 Reconoció específicamente que algunos aspectos de Kane se extrajeron de las vidas de dos magnates de los negocios familiares de su juventud en Chicago: Samuel Insull y Harold Fowler McCormick. [d] [17]: 49

El personaje de Jedediah Leland se basó en el crítico de teatro Ashton Stevens, tío de George Stevens y amigo cercano de Welles de la infancia. [17]: 66 Algunos detalles provienen de la propia experiencia de Mankiewicz como crítico de teatro en Nueva York. [18]: 77–78

Muchos asumieron que el personaje de Susan Alexander Kane se basó en Marion Davies, la amante de Hearst cuya carrera dirigió y a quien Hearst promovió como actriz de cine. Esta suposición fue una de las principales razones por las que Hearst intentó destruir Ciudadano Kane. [31] [e] Welles negó que el personaje estuviera basado en Davies, [33] a quien llamó "una mujer extraordinaria, nada que ver con el personaje que Dorothy Comingore interpretó en la película". [17]: 49 Citó la construcción de la Ópera de Chicago por parte de Insull, y la lujosa promoción de McCormick de la carrera de ópera de su segunda esposa, Ganna Walska, como influencias directas en el guión. [17]: 49

Como conocido partidario del presidente Roosevelt, [34] a quien tanto McCormick como Hearst se opusieron por sus exitosos intentos de controlar el contenido de los programas de radio y sus continuos esfuerzos por controlar la impresión, Welles pudo haber tenido un incentivo para usar la película para difamar a ambos hombres. . [35]

El personaje del jefe político Jim W. Gettys se basa en Charles F. Murphy, un líder de la infame maquinaria política Tammany Hall de la ciudad de Nueva York. [23]: 61

Welles atribuyó "Rosebud" a Mankiewicz. [17]: 53 El biógrafo Richard Meryman escribió que el símbolo de la propia infancia dañada de Mankiewicz era una bicicleta preciada, robada mientras visitaba la biblioteca pública y no reemplazada por su familia como castigo. Lo consideró como el prototipo del trineo de Charles Foster Kane. [18]: 300 En su biografía de Welles de 2015, Patrick McGilligan informó que el propio Mankiewicz declaró que la palabra "Rosebud" se tomó del nombre de un famoso caballo de carreras, Old Rosebud. Mankiewicz hizo una apuesta por el caballo en el Derby de Kentucky de 1914, que ganó, y McGilligan escribió que "Old Rosebud simbolizaba su juventud perdida y la ruptura con su familia". En testimonio para la demanda de Lundberg, Mankiewicz dijo: "Me había sometido a un psicoanálisis, y Rosebud, en circunstancias que se asemejan un poco a las circunstancias en [Ciudadano Kane], jugó un papel destacado ". [36]

los Noticias de la Marcha secuencia que comienza la película satiriza el estilo periodístico de La marcha del tiempo, la serie de documentales y dramatizaciones de noticias presentada en salas de cine por Time Inc. [37] [38] De 1935 a 1938 [39]: 47 Welles fue miembro de la compañía no acreditada de actores que presentó la versión original de radio. [40]: 77

Houseman afirmó que el banquero Walter P. Thatcher se basaba libremente en J. P. Morgan. [41]: 55 Bernstein recibió su nombre del Dr. Maurice Bernstein, designado tutor de Welles [17]: 65–66 Se decía que la representación de Sloane estaba basada en Bernard Herrmann. [42] Herbert Carter, editor de El indagador, fue nombrado por el actor Jack Carter. [43]: 155

Casting Editar

Ciudadano Kane fue una película rara en la que sus papeles principales fueron interpretados por actores nuevos en el cine. Diez fueron anunciados como Mercury Actors, miembros de la hábil compañía de repertorio reunida por Welles para las representaciones teatrales y radiofónicas del Mercury Theatre, una compañía de teatro independiente que fundó con Houseman en 1937. [14]: 119-120 [44] " Le encantaba usar los reproductores Mercury ", escribió el biógrafo Charles Higham," y en consecuencia lanzó a varios de ellos a carreras cinematográficas ". [43]: 155

La película representa los debuts cinematográficos de William Alland, Ray Collins, Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Erskine Sanford, Everett Sloane, Paul Stewart y el propio Welles. [8] A pesar de no haber aparecido nunca en largometrajes, algunos de los miembros del elenco ya eran bien conocidos por el público. Cotten se había convertido recientemente en una estrella de Broadway en la exitosa obra La historia de Filadelfia con Katharine Hepburn [16]: 187 y Sloane era bien conocido por su papel en el programa de radio Los Goldberg. [16]: 187 [f] El actor de Mercury George Coulouris fue una estrella del teatro en Nueva York y Londres. [44]

No todo el elenco procedía de Mercury Players. Welles eligió a Dorothy Comingore, una actriz que interpretó papeles secundarios en películas desde 1934 con el nombre de "Linda Winters", [45] como Susan Alexander Kane. Un descubrimiento de Charlie Chaplin, Comingore fue recomendado a Welles por Chaplin, [46]: 170 quien luego conoció a Comingore en una fiesta en Los Ángeles e inmediatamente la eligió. [47]: 44

Welles había conocido a la actriz de teatro Ruth Warrick mientras visitaba Nueva York en un descanso de Hollywood y la recordaba como una buena opción para Emily Norton Kane, [16]: 188 diciendo más tarde que parecía el papel. [46]: 169 Warrick le dijo a Carringer que le sorprendió el extraordinario parecido entre ella y la madre de Welles cuando vio una fotografía de Beatrice Ives Welles. Ella caracterizó su propia relación personal con Welles como maternal. [48]: 14

"Nos entrenó para las películas al mismo tiempo que se entrenaba a sí mismo", recuerda Agnes Moorehead. "Orson creía en la buena actuación y se dio cuenta de que los ensayos eran necesarios para sacar el máximo partido a sus actores. Eso era algo nuevo en Hollywood: nadie parecía interesado en traer un grupo para ensayar antes de filmar las escenas. Pero Orson sabía que era necesario , y ensayamos cada secuencia antes de filmar ". [49]: 9

Cuando La marcha del tiempo El narrador Westbrook Van Voorhis pidió $ 25,000 para narrar la Noticias de la Marcha secuencia, Alland demostró su habilidad para imitar a Van Voorhis y Welles lo eligió. [50]

Welles dijo más tarde que el actor de reparto Gino Corrado en la pequeña parte del camarero en El Rancho le rompió el corazón. Corrado había aparecido en muchas películas de Hollywood, a menudo como mesero, y Welles quería que todos los actores fueran nuevos en las películas. [46]: 171

Otros papeles no acreditados fueron para Thomas A. Curran como Teddy Roosevelt en el noticiero falso Richard Baer como Hillman, un hombre en el Madison Square Garden y un hombre en el Noticias de la Marcha sala de proyección y Alan Ladd, Arthur O'Connell y Louise Currie como reporteros en Xanadu. [8]

Ruth Warrick (fallecida en 2005) fue el último miembro superviviente del reparto principal. Sonny Bupp (fallecido en 2007), quien interpretó al hijo pequeño de Kane, fue el último miembro del reparto acreditado superviviente. [51] Se informó que Kathryn Trosper Popper (fallecida el 6 de marzo de 2016) fue el último actor superviviente que apareció en Ciudadano Kane. [52] Jean Forward (fallecida en septiembre de 2016), una soprano que apodó la voz cantante de Susan Alexander, fue la última intérprete superviviente de la película. [53]

Filmación Editar

La asesora de producción Miriam Geiger rápidamente compiló un libro de texto de cine hecho a mano para Welles, un libro de referencia práctica de técnicas cinematográficas que estudió detenidamente. Luego aprendió a hacer cine por sí mismo haciendo coincidir su vocabulario visual con El gabinete del Dr. Caligari, que encargó al Museo de Arte Moderno, [16]: 173 y películas de Frank Capra, René Clair, Fritz Lang, King Vidor [54]: 1172: 1171 y Jean Renoir. [14]: 209 La única película que realmente estudió fue la de John Ford. Diligencia, [17]: 29 que vio 40 veces. [55] "Al final resultó que, el primer día que entré en un set fue mi primer día como director", dijo Welles. "Aprendí todo lo que sabía en la sala de proyección, de Ford. Después de la cena, todas las noches durante aproximadamente un mes, corría Diligencia, a menudo con algún técnico o jefe de departamento diferente del estudio, y hacer preguntas. "¿Cómo se hizo esto?" '¿Por qué se hizo esto?' Era como ir a la escuela ". [17]: 29

El director de fotografía de Welles para la película fue Gregg Toland, descrito por Welles como "en ese momento, el camarógrafo número uno del mundo". Para asombro de Welles, Toland lo visitó en su oficina y le dijo: "Quiero que me uses en tu foto". Había visto algunas de las producciones teatrales de Mercury (incluyendo César [21]: 66) y dijo que quería trabajar con alguien que nunca había hecho una película. [17]: 59 RKO contrató a Toland en préstamo de Samuel Goldwyn Productions [41]: 10 en la primera semana de junio de 1940. [15]: 40

"Y nunca trató de impresionarnos de que estaba haciendo milagros", recordó Welles. "Yo pedía cosas que solo un principiante habría sido lo suficientemente ignorante como para pensar que cualquiera podría hacer, y ahí estaba, haciendo "[17]: 60 Toland explicó más tarde que quería trabajar con Welles porque anticipó que la inexperiencia del director novato y la reputación de experimentación audaz en el teatro le permitirían al director de fotografía probar técnicas de cámara nuevas e innovadoras que las típicas películas de Hollywood Nunca le hubiera permitido hacerlo. [16]: 186 Sin darse cuenta del protocolo de realización de películas, Welles ajustó las luces en el set como estaba acostumbrado a hacer en el teatro. Toland las reequilibró silenciosamente, y se enojó cuando uno de los miembros del equipo informó a Welles que estaba infringiendo las responsabilidades de Toland.[56]: 5: 33–6: 06 Durante las primeras semanas de junio, Welles tuvo largas discusiones sobre la película con Toland y el director de arte Perry Ferguson por la mañana, y por la tarde y noche trabajó con actores y revisó el texto. [15]: 69

El 29 de junio de 1940, un sábado por la mañana cuando pocos ejecutivos de estudio curiosos estarían cerca, Welles comenzó a filmar Ciudadano Kane. [15]: 69 [21]: 107 Después de la decepción de tener Corazón de la oscuridad cancelado, [17]: 30–31 Welles siguió la sugerencia de Ferguson [g] [17]: 57 y engañó a RKO haciéndole creer que simplemente estaba filmando pruebas de cámara. "Pero estábamos filmando fotografía", Dijo Welles," porque queríamos empezar y estar ya metidos antes de que nadie se enterara ". [17]: 57

En ese momento, los ejecutivos de RKO lo estaban presionando para que aceptara dirigir una película llamada Los hombres de Marte, para aprovechar la transmisión de radio de "La Guerra de los Mundos". Welles dijo que consideraría hacer el proyecto, pero que primero quería hacer una película diferente. En este momento no les informó que ya había comenzado a filmar. Ciudadano Kane. [16] : 186

Las primeras imágenes se llamaban "Pruebas de Orson Welles" en todo el papeleo. [15]: 69 El primer disparo de "prueba" fue el Noticias de la Marcha Escena de la sala de proyección, filmada económicamente en una sala de proyección de un estudio real en la oscuridad que enmascara a muchos actores que aparecieron en otros roles más adelante en la película. [15]: 69 [17]: 77–78 [h] "Con $ 809, Orson superó sustancialmente el presupuesto de prueba de $ 528, para crear una de las escenas más famosas de la historia del cine", escribió Barton Whaley. [21]: 107

Las siguientes escenas fueron las del club nocturno El Rancho y la escena en la que Susan intenta suicidarse. [i] [15]: 69 Welles dijo más tarde que el set del club nocturno estaba disponible después de que se había terminado otra película y que la filmación tardó de 10 a 12 días en completarse. Para estas escenas, Welles hizo rociar la garganta de Comingore con químicos para darle a su voz un tono áspero y áspero. [46]: 170-171 Otras escenas filmadas en secreto incluyeron aquellas en las que Thompson entrevista a Leland y Bernstein, que también fueron filmadas en decorados construidos para otras películas. [50]

Durante la producción, la película se denominó RKO 281. La mayor parte de la filmación tuvo lugar en lo que ahora es el Stage 19 en el lote de Paramount Pictures en Hollywood. [58] Hubo una filmación en locaciones en el Parque Balboa en San Diego y el Zoológico de San Diego. [59]

A finales de julio, RKO aprobó la película y se permitió que Welles comenzara a filmar oficialmente, a pesar de haber estado filmando "pruebas" durante varias semanas. Welles filtró historias a los periodistas de que las pruebas habían sido tan buenas que no había necesidad de volver a filmarlas. La primera escena oficial que se filmó fue la secuencia del montaje del desayuno entre Kane y su primera esposa Emily. Para ahorrar dinero estratégicamente y apaciguar a los ejecutivos de RKO que se oponían a él, Welles ensayó las escenas mucho antes de filmar y filmó muy pocas tomas de cada configuración de toma. [16]: 193 Welles nunca realizó tomas maestras para ninguna escena después de que Toland le dijera que Ford nunca las disparó. [46]: 169 Para apaciguar a la prensa cada vez más curiosa, Welles organizó un cóctel para periodistas seleccionados, prometiendo que podrían ver una escena filmada. Cuando llegaron los periodistas, Welles les dijo que "acababan de terminar" el rodaje del día, pero que aún tenían la fiesta. [16]: 193 Welles dijo a la prensa que se adelantó a lo programado (sin tener en cuenta el mes de "prueba de rodaje"), desacreditando así las afirmaciones de que después de un año en Hollywood sin hacer una película era un fracaso en la industria cinematográfica. [16]: 194

Welles solía trabajar de 16 a 18 horas al día en la película. A menudo comenzaba a trabajar a las 4 a.m., ya que el maquillaje de efectos especiales que solía envejecerlo para ciertas escenas tardaba hasta cuatro horas en aplicarse. Welles aprovechó este tiempo para discutir el rodaje del día con Toland y otros miembros de la tripulación. Los lentes de contacto especiales que se usaban para hacer que Welles pareciera anciano resultaron muy dolorosos, y se contrató a un médico para colocarlos en los ojos de Welles. Welles tuvo dificultad para ver con claridad mientras los usaba, lo que provocó que se cortara la muñeca gravemente cuando filmaba la escena en la que Kane rompe los muebles del dormitorio de Susan. Mientras filmaba la escena en la que Kane le grita a Gettys en las escaleras del edificio de apartamentos de Susan Alexander, Welles cayó tres metros y una radiografía reveló dos astillas de hueso en su tobillo. [16]: 194

La lesión le obligó a dirigir la película desde una silla de ruedas durante dos semanas. [16]: 194-195 Finalmente usó un aparato ortopédico de acero para reanudar la actuación ante la cámara, es visible en la escena de ángulo bajo entre Kane y Leland después de que Kane pierde las elecciones. [j] [17]: 61 Para la escena final, se equipó un escenario en el estudio de Selznick con un horno en funcionamiento, y se requirieron múltiples tomas para mostrar el trineo siendo arrojado al fuego y la palabra "Rosebud" consumida. Paul Stewart recordó que en la novena toma, el Departamento de Bomberos de Culver City llegó a toda velocidad porque el horno se había calentado tanto que se incendió la chimenea. "Orson estaba encantado con la conmoción", dijo. [49]: 8–9 [60]

Cuando se quemó "Rosebud", Welles coreografió [ aclaración necesaria ] la escena mientras tenía la señal del compositor Bernard Herrmann sonando en el set. [61]

A diferencia de Schaefer, a muchos miembros de la junta de gobernadores de RKO no les agradaba Welles ni el control que le otorgaba su contrato. [16]: 186 Sin embargo, miembros de la junta como Nelson Rockefeller y el jefe de la NBC David Sarnoff [54]: 1170 simpatizaban con Welles. [62] A lo largo de la producción, Welles tuvo problemas con estos ejecutivos que no respetaban la estipulación de no interferencia de su contrato y varios espías llegaron al set para informar de lo que vieron a los ejecutivos. Cuando los ejecutivos a veces llegaban al set sin previo aviso, todo el elenco y el equipo de repente comenzaban a jugar sóftbol hasta que se iban. Antes de que comenzara el rodaje oficial, los ejecutivos interceptaron todas las copias del guión y retrasaron su entrega a Welles. Se les envió una copia a su oficina en Nueva York, lo que provocó que se filtrara a la prensa. [16]: 195

El rodaje principal terminó el 24 de octubre. Welles se tomó varias semanas fuera de la película para una gira de conferencias, durante la cual también buscó lugares adicionales con Toland y Ferguson. El rodaje se reanudó el 15 de noviembre [15]: 87 con algunas repeticiones. Toland tuvo que irse debido al compromiso de disparar a Howard Hughes El forajido, pero el equipo de cámara de Toland continuó trabajando en la película y Toland fue reemplazado por el director de fotografía de RKO Harry J. Wild. El último día de rodaje, el 30 de noviembre, fue la escena de la muerte de Kane. [15]: 85 Welles se jactó de que solo cumplió 21 días con su calendario oficial de rodaje, sin tener en cuenta el mes de "pruebas de cámara". [16]: 195 Según los registros de RKO, la película costó $ 839,727. Su presupuesto estimado había sido de $ 723.800. [8]

Postproducción Editar

Ciudadano Kane fue editado por Robert Wise y el editor asistente Mark Robson. [41]: 85 Ambos se convertirían en directores de cine de éxito. Wise fue contratado después de que Welles terminara de rodar las "pruebas de cámara" y comenzara a hacer oficialmente la película. Wise dijo que Welles "tenía un editor mayor asignado para esas pruebas y evidentemente no estaba muy contento y pidió tener a alguien más. Yo tenía aproximadamente la edad de Orson y tenía varios buenos créditos". Wise y Robson comenzaron a editar la película mientras aún se estaba filmando y dijeron que "podían decir con certeza que estábamos obteniendo algo muy especial. Fue una película sobresaliente día tras día". [54]: 1210

Welles le dio a Wise instrucciones detalladas y, por lo general, no estuvo presente durante la edición de la película. [15]: 109 La película fue muy bien planeada y filmada intencionalmente para técnicas de postproducción como la disolución lenta. [50] La falta de cobertura facilitó la edición ya que Welles y Toland editaron la película "en la cámara" dejando pocas opciones de cómo se podría armar. [15]: 110 Wise dijo que la secuencia de la mesa del desayuno tardó semanas en editarse y obtener el "tiempo" y el "ritmo" correctos para los sartenes y el diálogo superpuesto. [50] El Noticias de la Marcha La secuencia fue editada por la división de noticiarios de RKO para darle autenticidad. [15]: 110 Utilizaron imágenes de archivo de Pathé News y la Filmoteca General. [8]

Durante la postproducción, Welles y el artista de efectos especiales Linwood G. Dunn experimentaron con una impresora óptica para mejorar ciertas escenas que Welles consideró insatisfactorias a partir del metraje. [50] Mientras que Welles a menudo se complacía de inmediato con el trabajo de Wise, requería que Dunn y el ingeniero de audio de posproducción James G. Stewart volvieran a hacer su trabajo varias veces hasta que estuviera satisfecho. [15]: 109

Welles contrató a Bernard Herrmann para componer la banda sonora de la película. Donde la mayoría de las bandas sonoras de las películas de Hollywood se escribieron rápidamente, en tan solo dos o tres semanas después de que se completó el rodaje, a Herrmann se le dieron 12 semanas para escribir la música. Tuvo tiempo suficiente para hacer sus propias orquestaciones y dirección, y trabajó en la película rollo a rollo mientras se filmaba y cortaba. Escribió piezas musicales completas para algunos de los montajes y Welles editó muchas de las escenas para que coincidieran con su duración. [63]

Trailer Editar

Escrito y dirigido por Welles por sugerencia de Toland, el tráiler teatral de Ciudadano Kane se diferencia de otros tráileres en que no incluyó ni un segundo de metraje de la película en sí, sino que actúa como una pieza pseudodocumental totalmente irónica y totalmente original sobre la producción de la película. [46]: 230 filmado al mismo tiempo que Ciudadano Kane en sí mismo, ofrece el único metraje existente detrás de escena de la película. El tráiler, filmado por Wild en lugar de Toland, sigue a un Welles invisible mientras proporciona una narración para un recorrido por el set de la película, introducciones a los miembros principales del reparto de la película y una breve descripción general del personaje de Kane. [17]: 360 El tráiler también contiene una serie de tomas de truco, incluida una de Everett Sloane que al principio parece estar corriendo hacia la cámara, que resulta ser el reflejo de la cámara en un espejo. [64]

En ese momento, era casi sin precedentes que un avance de película no presentara nada de la película en sí y, aunque Ciudadano Kane se cita con frecuencia como una película innovadora e influyente, Simon Callow sostiene que su avance no fue menos original en su enfoque. Callow escribe que tiene "un gran encanto lúdico. Es un documental en miniatura, casi una introducción al cine. Bromista, encantador, completamente original, es una especie de truco de magia: sin que su rostro aparezca una vez en la pantalla, Welles domina por completo sus cinco [sic] minutos de duración ". [19]: 558–9

Opinión de los estudiosos e historiadores del cine Ciudadano Kane como el intento de Welles de crear un nuevo estilo cinematográfico mediante el estudio de varias formas y combinándolas en una. Sin embargo, Welles declaró que su amor por el cine comenzó solo cuando comenzó a trabajar en la película. Cuando se le preguntó de dónde obtuvo la confianza como director por primera vez para dirigir una película tan radicalmente diferente del cine contemporáneo, respondió: "Ignorancia, ignorancia, ignorancia pura, sabes que no hay confianza para igualarla. Es solo cuando sabes algo sobre una profesión, creo, que eres tímida o cuidadosa ". [30]: 80

David Bordwell escribió que "La mejor manera de entender Ciudadano Kane es dejar de adorarlo como un triunfo de la técnica ". Bordwell argumenta que la película no inventó ninguna de sus famosas técnicas, como la cinematografía de enfoque profundo, tomas de techos, iluminación de claroscuro y cortes temporales, y que muchas de estas estilísticas se había utilizado en películas expresionistas alemanas de la década de 1920, como El gabinete del Dr. Caligari. Pero Bordwell afirma que la película los juntó todos por primera vez y perfeccionó el medio en una sola película. [54]: 1171 En una entrevista de 1948, D. W. Griffith dijo: "Me encantó Ciudadano Kane y en particular me encantaron las ideas que me tomó ". [65]

Los argumentos en contra de las innovaciones cinematográficas de la película se hicieron ya en 1946 cuando el historiador francés Georges Sadoul escribió: "La película es una enciclopedia de técnicas antiguas". Señaló ejemplos tales como composiciones que utilizan tanto el primer plano como el fondo en las películas de Auguste y Louis Lumière, efectos especiales utilizados en las películas de Georges Méliès, tomas del techo en Erich von Stroheim. Codicia y montajes de noticieros en las películas de Dziga Vertov. [66]

El crítico de cine francés André Bazin defendió la película escribiendo: "En este sentido, la acusación de plagio bien podría extenderse al uso de la película pancromática o su explotación de las propiedades del haluro de plata gelatinoso". Bazin no estuvo de acuerdo con la comparación de Sadoul con la cinematografía de Lumière ya que Ciudadano Kane usó lentes más sofisticados, [67]: 232 pero reconoció que tenía similitudes con trabajos anteriores como El paralelo 49 y El poder y la gloria. Bazin declaró que "incluso si Welles no inventó los dispositivos cinematográficos empleados en Ciudadano KaneSin embargo, hay que atribuirle el mérito de haber inventado su sentido. "[67]: 233 Bazin defendió las técnicas en la película por su descripción de la realidad aumentada, pero Bordwell creía que el uso de efectos especiales en la película contradecía algunas de las teorías de Bazin. [68]: 75

Técnicas de narración editar

Ciudadano Kane rechaza la narrativa cronológica lineal tradicional y cuenta la historia de Kane completamente en flashbacks utilizando diferentes puntos de vista, muchos de ellos de los viejos y olvidadizos asociados de Kane, el equivalente cinematográfico del narrador poco confiable en la literatura. [69]: 83 Welles también prescinde de la idea de un solo narrador y usa múltiples narradores para contar la vida de Kane, una técnica que no se usaba anteriormente en las películas de Hollywood. [69]: 81 Cada narrador relata una parte diferente de la vida de Kane, y cada historia se superpone a otra. [70] La película muestra a Kane como un enigma, un hombre complicado que deja a los espectadores con más preguntas que respuestas sobre su personaje, como las imágenes del noticiero donde es atacado por ser comunista y fascista. [69]: 82–84

La técnica de los flashbacks se había utilizado en películas anteriores, especialmente El poder y la gloria (1933), [71] pero ninguna película estuvo tan inmersa en ella como Ciudadano Kane. Thompson, el reportero, actúa como un sustituto de la audiencia, cuestionando a los socios de Kane y reconstruyendo su vida. [70]

Por lo general, las películas tenían una "perspectiva omnisciente" en ese momento, lo que, según Marilyn Fabe, le da a la audiencia la "ilusión de que estamos mirando con impunidad un mundo que no es consciente de nuestra mirada". Ciudadano Kane también comienza de esa manera hasta que el Noticias de la Marcha secuencia, después de la cual nosotros, el público, vemos la película a través de las perspectivas de los demás. [69]: 81 El Noticias de la Marcha La secuencia ofrece una descripción general de toda la vida de Kane (y toda la historia de la película) al comienzo de la película, dejando a la audiencia sin el típico suspenso de preguntarse cómo terminará. En cambio, las repeticiones de eventos de la película obligan a la audiencia a analizar y preguntarse por qué la vida de Kane sucedió de esa manera, con el pretexto de descubrir qué significa "Rosebud". Luego, la película vuelve a la perspectiva omnisciente en la escena final, cuando solo el público descubre qué es "Rosebud". [69]: 82–83

Cinematografía Editar

El aspecto técnico más innovador de Ciudadano Kane es el uso extendido del enfoque profundo, [72] donde el primer plano, el fondo y todo lo que hay en el medio están todos bien enfocados. El director de fotografía Toland hizo esto a través de su experimentación con lentes e iluminación. Toland describió el logro en un artículo para Artes Teatrales revista, posible gracias a la sensibilidad de la película de velocidad moderna:

Los nuevos desarrollos en la ciencia de la fotografía cinematográfica no abundan en esta etapa avanzada del juego, pero periódicamente se perfecciona uno para hacer de este un arte mayor. De estos, estoy en una excelente posición para discutir lo que se denomina "Pan-focus", ya que he estado activo durante dos años en su desarrollo y lo usé por primera vez en Ciudadano Kane. A través de su uso, es posible fotografiar la acción desde un rango de dieciocho pulgadas desde la lente de la cámara hasta más de doscientos pies de distancia, con figuras y acciones extremas de primer plano y fondo, ambas grabadas en relieve nítido. Hasta ahora, la cámara tenía que estar enfocada para una toma cercana o lejana, todos los esfuerzos para abarcar ambos al mismo tiempo resultaban en que uno u otro quedara desenfocado. Esta desventaja requirió la división de una escena en ángulos largos y cortos, con la consiguiente pérdida de realismo. Con el enfoque panorámico, la cámara, como el ojo humano, ve un panorama completo a la vez, con todo claro y realista. [73]

Otro método poco ortodoxo utilizado en la película fueron las tomas de ángulo bajo mirando hacia arriba, lo que permite mostrar los techos en el fondo de varias escenas. Cada plató se construyó con un techo [73] que rompió con las convenciones del estudio, y muchos fueron construidos con tela que ocultaba los micrófonos. [74] Welles consideró que la cámara debería mostrar lo que ve el ojo, y que era una mala convención teatral pretender que no había techo, "una gran mentira para que todas esas luces terribles aparecieran allí", dijo. Quedó fascinado con el aspecto de los ángulos bajos, lo que hacía que incluso los interiores aburridos parecieran interesantes. Se utiliza un ángulo extremadamente bajo para fotografiar el encuentro entre Kane y Leland después de que Kane pierde las elecciones. Se cavó un agujero para la cámara, que requirió perforar el piso de concreto. [17]: 61–62

Welles acreditó a Toland en la misma tarjeta de título que él mismo. "Es imposible decir cuánto le debo a Gregg", dijo. "Fue magnífico". [17]: 59 [75] Llamó a Toland "el mejor director de fotografía que jamás haya existido". [76]

Edición de sonido

Ciudadano Kane El sonido fue grabado por Bailey Fesler y regrabado en posproducción por el ingeniero de audio James G. Stewart, [41]: 85 ambos habían trabajado en la radio. [15]: 102 Stewart dijo que las películas de Hollywood nunca se desviaron de un patrón básico de cómo se podía grabar o usar el sonido, pero con Welles "la desviación del patrón era posible porque él lo exigía". [50] Aunque la película es conocida por su compleja banda sonora, gran parte del audio se escucha tal como fue grabado por Fesler y sin manipulación. [15]: 102

Welles utilizó técnicas de la radio como diálogos superpuestos. La escena en la que los personajes cantan "Oh, Mr. Kane" fue especialmente complicada y requirió mezclar varias bandas sonoras juntas.[15]: 104 También usó diferentes "perspectivas de sonido" para crear la ilusión de distancias, [15]: 101 como en escenas en Xanadu donde los personajes hablan entre sí a distancias lejanas. [50] Welles experimentó con el sonido en la postproducción, creando montajes de audio, [77]: 94 y eligió crear todos los efectos de sonido para la película en lugar de usar la biblioteca de efectos de sonido de RKO. [15]: 100

Welles utilizó una técnica auditiva de la radio llamada "mezcla de rayos". Welles utilizó esta técnica para vincular secuencias de montaje complejas a través de una serie de sonidos o frases relacionados. Por ejemplo, Kane pasa de niño a joven en solo dos tomas. Mientras Thatcher le entrega un trineo a Kane, de ocho años, y le desea Feliz Navidad, la secuencia salta repentinamente a una toma de Thatcher quince años después, completando la oración que comenzó tanto en la toma anterior como en el pasado cronológico. Otras técnicas de radio incluyen el uso de varias voces, cada una de las cuales dice una oración o, a veces, simplemente un fragmento de una oración, y unir el diálogo en rápida sucesión, como la escena de la sala de proyección. [78]: 413–412 El sonido de la película costó $ 16.996, pero originalmente estaba presupuestado en $ 7.288. [15]: 105

El crítico de cine y director François Truffaut escribió que "Antes Kane, nadie en Hollywood sabía cómo poner la música correctamente en las películas. Kane fue la primera, de hecho la única, gran película que utiliza técnicas de radio. . Muchos cineastas saben lo suficiente como para seguir el consejo de Auguste Renoir de llenar los ojos con imágenes a toda costa, pero solo Orson Welles entendió que la banda sonora tenía que llenarse de la misma manera ". [79] Cedric Belfrage de El Clipper escribió "de todos los deliciosos sabores que permanecen en el paladar después de ver Kane, el uso del sonido es el más fuerte ". [54]: 1171

Maquillaje Editar

El maquillaje para Ciudadano Kane fue creado y aplicado por Maurice Seiderman (1907-1989), un miembro menor del departamento de maquillaje de RKO. [80]: 19 No había sido aceptado en el sindicato, que lo reconocía como solo un aprendiz, pero RKO lo usó para formar actores principales. [80]: 19 "Se suponía que los aprendices no debían inventar directores, solo extras, y un aprendiz no podía estar en un set sin un oficial presente", escribió el maquillador Dick Smith, quien se hizo amigo de Seiderman en 1979. "Durante sus años en RKO, sospecho que estas reglas probablemente se pasaron por alto a menudo". [80]: 19 "Seiderman se había ganado la reputación de ser uno de los maquilladores emergentes más inventivos y creativamente precisos de Hollywood", escribió el biógrafo Frank Brady. [14]: 253

En una de las primeras giras de RKO, Welles conoció a Seiderman en el pequeño laboratorio de maquillaje que creó para sí mismo en un camerino sin usar. [80]: 19 "Welles se aferró a él de inmediato", escribió el biógrafo Charles Higham, ya que Seiderman había desarrollado sus propios métodos de maquillaje "que aseguraban una completa naturalidad de expresión, una naturalidad sin igual en Hollywood". [43]: 157 Seiderman desarrolló un plan minucioso para envejecer a los personajes principales, primero haciendo un molde de yeso del rostro de cada uno de los actores que envejecieron. Hizo un molde de yeso del cuerpo de Welles hasta las caderas. [81]: 46

"Mis técnicas escultóricas para el envejecimiento de los personajes se manejaron agregando piezas de plastilina blanca, que combinaban con el yeso, en la superficie de cada busto", dijo Seiderman a Norman Gambill. Cuando Seiderman logró el efecto deseado, fundió las piezas de arcilla en un material plástico blando [81]: 46 que él mismo formuló. [80]: 20 Estos aparatos se colocaron luego sobre el busto de yeso y se hizo un molde de cuatro piezas para cada fase de envejecimiento. Luego, las piezas fundidas se pintaron por completo y se combinaron con la peluca adecuada para su evaluación. [81]: 46–47

Antes de que los actores se presentaran ante las cámaras todos los días, las piezas flexibles se aplicaban directamente a sus rostros para recrear la imagen escultórica de Seiderman. La superficie facial fue pintada con un compuesto plástico rojo flexible [81]: 43 El fondo rojo resultó en un tono cálido que fue recogido por la película pancromática. Sobre eso se aplicó pintura líquida grasa y finalmente un talco traslúcido incoloro. [81]: 42–43 Seiderman creó el efecto de los poros de la piel en la cara de Kane punteando la superficie con un molde negativo hecho de una cáscara de naranja. [81]: 42, 47

Welles solía llegar al set a las 2:30 am, [17]: 69, ya que la aplicación del maquillaje escultórico tomó 3 horas y media para la encarnación más antigua de Kane. El maquillaje incluía aparatos para envejecer los hombros, los senos y el estómago de Welles. [80]: 19–20 "En la película y las fotografías de producción, se puede ver que Kane tenía una barriga que sobresalía", dijo Seiderman. "Eso no era un disfraz, era la escultura de goma la que creaba la imagen. Podías ver cómo la camisa de seda de Kane se pegaba al cuerpo del personaje. No podría haberse hecho de otra manera". [81]: 46

Seiderman trabajó con Charles Wright en las pelucas. Estos pasaron sobre una cubierta de cráneo flexible que Seiderman creó y cosió en su lugar con hilo elástico. Cuando encontró que las pelucas estaban demasiado llenas, desató un cabello a la vez para alterar su forma. El bigote de Kane se insertó en la superficie del maquillaje unos pocos pelos a la vez, para variar de manera realista el color y la textura. [81]: 43, 47 También hizo lentes esclerales para Welles, Dorothy Comingore, George Coulouris y Everett Sloane para atenuar el brillo de sus ojos jóvenes. Los lentes tardaron mucho en ajustarse correctamente, y Seiderman comenzó a trabajar en ellos antes de diseñar cualquier otro maquillaje. "Los pinté para envejecer en fases, terminando con los vasos sanguíneos y el arcus senilis de la vejez ". [81]: 47 El tour de force de Seiderman fue el montaje del desayuno, filmado todo en un día." Doce años, dos años filmados en cada escena ", dijo. [81]: 47

Los principales estudios le dieron crédito de pantalla por el maquillaje solo al jefe de departamento. Cuando el jefe del departamento de maquillaje de RKO, Mel Berns, se negó a compartir el crédito con Seiderman, que solo era un aprendiz, Welles le dijo a Berns que no habría ningún crédito de recuperación. Welles firmó un gran anuncio en el periódico de Los Ángeles: [80]: 22 [81]: 48

GRACIAS A TODOS LOS QUE OBTIENEN CRÉDITO DE PANTALLA POR "CITIZEN KANE"
Y GRACIAS A LOS QUE NO
A TODOS LOS ACTORES, LA TRIPULACIÓN, LA OFICINA, LOS MÚSICOS, TODOS
Y EN PARTICULAR A MAURICE SEIDERMAN, EL MEJOR MAQUILLAJE DEL MUNDO [80]: 20

Conjuntos Editar

Aunque se le acredita como asistente, la dirección de arte de la película fue realizada por Perry Ferguson. [41]: 85 Welles y Ferguson se llevaron bien durante su colaboración. [15]: 37 En las semanas previas a que comenzara la producción de Welles, Toland y Ferguson se reunieron regularmente para discutir la película y planificar cada toma, diseño de escenario y utilería. Ferguson tomaba notas durante estas discusiones y creaba diseños aproximados de los decorados y guiones gráficos para tomas individuales. Después de que Welles aprobó los bocetos preliminares, Ferguson hizo modelos en miniatura para que Welles y Toland experimentaran con un periscopio para ensayar y perfeccionar cada toma. Ferguson luego hizo dibujos detallados para el diseño del escenario, incluido el diseño de iluminación de la película. La escenografía fue una parte integral del aspecto general de la película y de la cinematografía de Toland. [15]: 42

En el guión original, el Gran Salón de Xanadu se inspiró en el Gran Salón del Castillo Hearst y su diseño incluía una mezcla de estilos renacentista y gótico. [15]: 50–51 "El elemento Hearstiano se manifiesta en la yuxtaposición casi perversa de estilos y motivos arquitectónicos incongruentes", escribió Carringer. [15]: 54 Antes de que RKO recortara el presupuesto de la película, los diseños de Ferguson eran más elaborados y se parecían a los diseños de producción de las primeras películas de Cecil B. DeMille y Intolerancia. [15]: 55 Los recortes presupuestarios redujeron el presupuesto de Ferguson en un 33 por ciento y su trabajo costó $ 58,775 en total, [15]: 65 que estaba por debajo del promedio en ese momento. [77]: 93

Para ahorrar costos, Ferguson y Welles reescribieron escenas en la sala de estar de Xanadu y las transportaron al Gran Comedor. Se encontró una gran escalera de otra película y se usó sin costo adicional. [15]: 56–57 Cuando se le preguntó sobre el presupuesto limitado, Ferguson dijo: "Muy a menudo, como en ese 'Xanadu' tan discutido Ciudadano Kane—Podemos hacer una pieza de primer plano, una pieza de fondo, y la iluminación imaginativa sugiere mucho más en la pantalla de lo que realmente existe en el escenario ". [15]: 65-66 Según el presupuesto oficial de la película, se construyeron 81 decorados, pero Ferguson dijo que había entre 106 y 116. [15]: 64

En el montaje de apertura se utilizaron fotografías fijas del castillo de Oheka en Huntington, Nueva York, que representan la propiedad Xanadu de Kane. [82] [83] Ferguson también diseñó estatuas de la colección de Kane con estilos que van desde el griego al gótico alemán. [15]: 61 Los decorados también fueron construidos para acomodar los movimientos de la cámara de Toland. Las paredes se construyeron para plegarse y los muebles se podían mover rápidamente. Los techos famosos de la película se hicieron con tela de muselina y se instalaron cajas de cámaras en los pisos para tomas de ángulo bajo. [15]: 64–65 Welles dijo más tarde que estaba orgulloso de que el valor de la producción cinematográfica pareciera mucho más caro que el presupuesto de la película. Aunque ninguno volvió a trabajar con Welles, Toland y Ferguson colaboraron en varias películas en la década de 1940. [15]: 65

Efectos especiales Editar

Los efectos especiales de la película fueron supervisados ​​por el jefe del departamento de RKO, Vernon L. Walker. [41]: 85 Welles fue pionero en varios efectos visuales para filmar cosas económicas como escenas de multitudes y grandes espacios interiores. Por ejemplo, la escena en la que la cámara en el teatro de la ópera se eleva dramáticamente a las vigas, para mostrar a los trabajadores que muestran una falta de aprecio por la actuación de Susan Alexander Kane, fue filmada por una cámara que apuntaba hacia arriba sobre la escena de la actuación, luego un trapo de cortina. a una miniatura de las zonas altas de la casa, y luego otro trapo de cortina volviéndolo a emparejar con la escena de los obreros. Otras escenas emplearon efectivamente miniaturas para hacer que la película pareciera mucho más cara de lo que realmente era, como varias tomas de Xanadu. [84]

Algunas tomas incluyeron la proyección de la pantalla trasera en el fondo, como la entrevista de Thompson a Leland y algunos de los fondos del océano en Xanadu. [15]: 88 Bordwell afirma que la escena en la que Thatcher acepta ser el tutor de Kane usó la proyección de la pantalla trasera para representar al joven Kane en el fondo, a pesar de que esta escena se cita como un excelente ejemplo de la cinematografía de enfoque profundo de Toland. [68]: 74 Se requirió un equipo de cámara de efectos especiales del departamento de Walker para los primeros planos extremos, como los labios de Kane cuando dice "Rosebud" y el plano de la máquina de escribir escribiendo la mala crítica de Susan. [15]: 88

El artista de efectos ópticos Dunn afirmó que "hasta el 80 por ciento de algunos carretes se imprimieron ópticamente". Estos disparos se atribuyeron tradicionalmente a Toland durante años. [85]: 110 La impresora óptica mejoró algunas de las tomas de enfoque profundo. [15]: 92 Un problema con la impresora óptica era que a veces creaba un granulado excesivo, como el zoom óptico de la bola de nieve. Welles decidió superponer la nieve que caía para enmascarar la granulosidad de estas tomas. [15]: 94 Toland dijo que no le gustaban los resultados de la impresora óptica, [15]: 92 pero reconoció que "el experto en efectos especiales de RKO, Vernon Walker, ASC, y su personal se encargaron de su parte de la producción, algo que no es nada despreciable asignación — con habilidad y buen entendimiento ". [68]: 74–75

En cualquier momento era imposible realizar un enfoque profundo, como en la escena en la que Kane termina una reseña negativa de la ópera de Susan mientras que al mismo tiempo despide a la persona que comenzó a escribir la reseña, se utilizó una impresora óptica para hacer que toda la pantalla pareciera enfocada, visualmente. capas de una pieza de película sobre otra. [15]: 92 Sin embargo, algunas tomas aparentemente de enfoque profundo fueron el resultado de efectos en la cámara, como en la famosa escena en la que Kane irrumpe en la habitación de Susan después de su intento de suicidio. Al fondo, Kane y otro hombre irrumpen en la habitación, mientras que simultáneamente el frasco de medicina y un vaso con una cuchara están en primer plano en primer plano. La toma fue una toma mate en la cámara. El primer plano se filmó primero, con el fondo oscuro. Luego se iluminó el fondo, se oscureció el primer plano, se rebobinó la película y se volvió a filmar la escena con la acción de fondo. [15]: 82

Música Editar

La música de la película fue compuesta por Bernard Herrmann. [86]: 72 Herrmann había compuesto para Welles para sus transmisiones de radio del Mercury Theatre. [86]: 63 Debido a que era la primera banda sonora de la película de Herrmann, RKO quería pagarle solo una pequeña tarifa, pero Welles insistió en que se le pagara al mismo precio que Max Steiner. [86]: 72

La partitura estableció a Herrmann como un nuevo e importante compositor de bandas sonoras de películas [42] y evitó la práctica típica de Hollywood de componer una película con música prácticamente continua. En su lugar, Herrmann utilizó lo que luego describió como "puntuación de radio", señales musicales que suelen durar entre 5 y 15 segundos que unen la acción o sugieren una respuesta emocional diferente. [86]: 77–78 La secuencia del montaje del desayuno comienza con un elegante tema de vals y se oscurece con cada variación de ese tema a medida que el paso del tiempo conduce al endurecimiento de la personalidad de Kane y al colapso de su primer matrimonio. [87] [88]

Herrmann se dio cuenta de que los músicos programados para tocar su música eran contratados para sesiones individuales únicas, no había necesidad de escribir para conjuntos existentes. Esto significaba que tenía la libertad de marcar para combinaciones inusuales de instrumentos, incluso instrumentos que no se escuchan comúnmente. En la secuencia de apertura, por ejemplo, el recorrido por la finca Xanadu de Kane, Herrmann introduce un leitmotiv recurrente interpretado por instrumentos de viento de madera bajos, incluido un cuarteto de flautas altas. [89]

Para la secuencia operística de Susan Alexander Kane, Welles sugirió que Herrmann compusiera una ingeniosa parodia de un vehículo de Mary Garden, un aria de Salammbô. [17]: 57 "Nuestro problema era crear algo que le diera a la audiencia la sensación de las arenas movedizas en las que esta pequeña niña sencilla, que tiene una voz encantadora pero pequeña, es arrojada de repente", dijo Herrmann. [86]: 79 Escribiendo al estilo de una ópera oriental francesa del siglo XIX, [63] Herrmann puso el aria en un tono que obligaría al cantante a esforzarse para alcanzar las notas altas, culminando en una D alta, muy por fuera de la gama de Susan Alexander. [86]: 79–80 El soprano Jean Forward apodó la parte vocal de Comingore. [42] Houseman afirmó haber escrito el libreto, basado en Jean Racine Athalie y Phedre, [29]: 460–461 aunque permanece cierta confusión desde que Lucille Fletcher recordaba haber preparado la letra. [86]: 80 Fletcher, entonces esposa de Herrmann, escribió el libreto de su ópera cumbres borrascosas. [86] : 11

Los entusiastas de la música consideran la escena en la que Susan Alexander Kane intenta cantar la famosa cavatina "Una voce poco fa" de Il barbiere di Siviglia de Gioachino Rossini con el entrenador vocal Signor Matiste como especialmente memorable por representar los horrores de aprender música a través de los errores. [90]

En 1972, Herrmann dijo: "Tuve la suerte de comenzar mi carrera con una película como Ciudadano Kane¡Ha sido una carrera cuesta abajo desde entonces! "A Welles le encantó la partitura de Herrmann y le dijo al director Henry Jaglom que era 50 por ciento responsable del éxito artístico de la película. [86]: 84

Alguna música incidental vino de otras fuentes. Welles escuchó la melodía utilizada para el tema de la editorial, "Oh, Sr. Kane", en México. [17]: 57 Llamada "A Poco No", la canción fue escrita por Pepe Guízar y la letra especial fue escrita por Herman Ruby. [91]

"In a Mizz", una canción de jazz de 1939 de Charlie Barnet y Haven Johnson, remata la segunda entrevista de Thompson a Susan Alexander Kane. [15]: 108 [91] "Basé toda la escena en torno a esa canción", dijo Welles. "La música es de Nat Cole, es su trío". [17]: 56 Más tarde, comenzando con la letra, "No puede ser amor", "In a Mizz" se representa en el picnic de los Everglades, enmarcando la pelea en la tienda entre Susan y Kane. [15]: Se presentan 108 músicos, incluido el líder de la banda Cee Pee Johnson (batería), Alton Redd (voz), Raymond Tate (trompeta), Buddy Collette (saxo alto) y Buddy Banks (saxo tenor). [92]

Toda la música utilizada en el noticiero provino de la biblioteca de música de RKO, editada a pedido de Welles por el departamento de noticiarios para lograr lo que Herrmann llamó "su propia y loca manera de cortar". los Noticias de la Marcha El tema que acompaña a los títulos de los noticiarios es "La marcha belga" de Anthony Collins, de la película. Enfermera Edith Cavell. Otros ejemplos son un extracto de la partitura de Alfred Newman para Gunga Din (la exploración de Xanadu), el tema de Roy Webb para la película Reno (el crecimiento del imperio de Kane), y fragmentos de la puntuación de Webb para Cinco volvieron (presentando a Walter Parks Thatcher). [86]: 79 [91]

Edición Editar

Una de las técnicas de edición utilizadas en Ciudadano Kane fue el uso del montaje para colapsar el tiempo y el espacio, usando una secuencia episódica en el mismo set mientras los personajes cambiaban el vestuario y el maquillaje entre los cortes para que la escena después de cada corte pareciera que tuvo lugar en el mismo lugar, pero a la vez mucho después del corte anterior. En el montaje del desayuno, Welles narra la ruptura del primer matrimonio de Kane en cinco viñetas que condensan 16 años de historia en dos minutos de tiempo en pantalla. [93] Welles dijo que la idea de la escena del desayuno "fue robada de La Larga Cena de Navidad por Thornton Wilder. una obra de teatro en un acto, que es una larga cena de Navidad que te lleva a través de algo así como 60 años de la vida de una familia ". [17]: 51 La película a menudo usa disoluciones largas para significar el paso del tiempo y su efecto psicológico de los personajes. , como la escena en la que el trineo abandonado se cubre con nieve después de que el joven Kane es enviado con Thatcher. [69]: 90-91

Welles fue influenciado por las teorías de edición de Sergei Eisenstein al usar cortes discordantes que causaron "repentinos contrastes gráficos o asociativos", como el corte desde el lecho de muerte de Kane hasta el comienzo de la Noticias de la Marcha secuencia y una toma repentina de una cacatúa chillando al comienzo del flashback de Raymond. [69]: 88-89 Aunque la película suele favorecer la puesta en escena sobre el montaje, la escena en la que Kane va al apartamento de Susan Alexander después de conocerla por primera vez es la única que se corta principalmente como primeros planos con planos y mostradores. disparos entre Kane y Susan. [41]: 68 Fabe dice que "al utilizar con moderación una técnica estándar de Hollywood, [Welles] revitaliza su expresividad psicológica". [69]: 88

Laura Mulvey exploró los temas antifascistas de Ciudadano Kane en su monografía de 1992 para el British Film Institute. los Noticias de la Marcha El noticiero presenta a Kane haciendo compañía a Hitler y otros dictadores mientras asegura con aire de suficiencia al público que no habrá guerra. [94]: 44 Ella escribió que la película refleja "la batalla entre la intervención y el aislacionismo" que luego se libraba en los Estados Unidos. La película se estrenó seis meses antes del ataque a Pearl Harbor, mientras el presidente Franklin D. Roosevelt se esforzaba por ganar público. opinión para entrar en la Segunda Guerra Mundial. "En la retórica de Ciudadano Kane", Escribe Mulvey," el destino del aislacionismo se realiza en metáfora: en el propio destino de Kane, muriendo rico y solo, rodeado por los detritos de la cultura y la historia europeas "[41]: 15.

El periodista Ignacio Ramonet ha citado la película como un ejemplo temprano de la manipulación de la opinión pública por parte de los medios de comunicación y el poder que tienen los conglomerados mediáticos para influir en el proceso democrático. Él cree que este ejemplo temprano de un magnate de los medios que influye en la política está desactualizado y que hoy "hay grupos de medios con el poder de mil ciudadanos Kanes". [95] [96] El magnate de los medios Rupert Murdoch a veces es etiquetado como un Ciudadano Kane. [97] [98]

También se han hecho comparaciones entre la carrera y el carácter de Donald Trump y Charles Foster Kane. [99] [100] [101] Ciudadano Kane se informa que es una de las películas favoritas de Trump, y su biógrafo Tim O’Brien ha dicho que Trump está fascinado y se identifica con Kane. [102]

Controversia previa al lanzamiento Editar

Para garantizar que la influencia de la vida de Hearst en Ciudadano Kane era un secreto, Welles limitaba el acceso a los diarios y gestionaba la publicidad de la película. Un reportaje de diciembre de 1940 en Escenario revista comparó la narrativa de la película con Fausto y no mencionó a Hearst. [15]: 111

La película estaba programada para estrenarse en el teatro insignia de RKO, el Radio City Music Hall, el 14 de febrero, pero a principios de enero de 1941 Welles no había terminado con el trabajo de posproducción y le dijo a RKO que todavía necesitaba su partitura musical. [16]: 205 escritores para revistas nacionales tenían fechas límite anticipadas, por lo que se presentó un borrador preliminar para unos pocos seleccionados el 3 de enero de 1941 [15]: 111 para revistas como Vida, Mirar y Libro Rojo. La columnista de chismes Hedda Hopper (una archirrival de Louella Parsons, la corresponsal en Hollywood de los periódicos de Hearst) se presentó a la proyección sin ser invitada. La mayoría de los críticos en la vista previa dijeron que les gustó la película y le dieron buenas críticas avanzadas. Hopper escribió negativamente al respecto, calificando la película como un "ataque vicioso e irresponsable contra un gran hombre" y criticando su escritura cursi y su fotografía anticuada. [16]: 205

viernes La revista publicó un artículo en el que se establecían comparaciones punto por punto entre Kane y Hearst y documentaba cómo Welles había liderado a Parsons. [15]: 111 Hasta ese momento, Welles había sido amigo de Parsons. La revista citó a Welles diciendo que no podía entender por qué ella era tan amable con él y que debería "esperar hasta que la mujer descubra que la foto es sobre su jefe". Welles negó de inmediato haber hecho la declaración y el editor de viernes admitió que podría ser falso. Welles se disculpó con Parsons y le aseguró que nunca había hecho ese comentario. [16]: 205

Poco después de viernes En el artículo de Hearst, Hearst le envió a Parsons una carta enojada quejándose de que se había enterado Ciudadano Kane de Hopper y no de ella. El incidente puso en ridículo a Parsons y la obligó a empezar a atacar a Welles y la película. Parsons exigió una proyección privada de la película y amenazó personalmente a Schaefer en nombre de Hearst, primero con una demanda y luego con una vaga amenaza de consecuencias para todos en Hollywood. El 10 de enero, Parsons y dos abogados que trabajaban para Hearst tuvieron una proyección privada de la película. [16]: 206 James G. Stewart estuvo presente en la proyección y dijo que ella salió de la película. [49]: 11

Poco después, Parsons llamó a Schaefer y amenazó a RKO con una demanda si liberaban Kane. [15]: 111 También se puso en contacto con la dirección del Radio City Music Hall y exigió que no lo proyectaran. [16]: 206 Al día siguiente, el título de la portada en Variedad diaria leer, "HEARST PROHIBE RKO DE LOS PAPELES". [103] Hearst inició esta prohibición suprimiendo la promoción de RKO Gatito foyle, [77]: 94 pero en dos semanas se levantó la prohibición para todo excepto Kane. [15] : 111

Cuando Schaefer no se sometió a Parsons, llamó a otros directores de estudio e hizo más amenazas en nombre de Hearst para exponer la vida privada de las personas en toda la industria cinematográfica. [16]: 206 Welles fue amenazado con una revelación sobre su romance con la actriz casada Dolores del Río, quien quería que el romance se mantuviera en secreto hasta que finalizara su divorcio. [16]: 207 En una declaración a los periodistas, Welles negó que la película fuera sobre Hearst. Hearst comenzó a preparar una orden judicial contra la película por difamación e invasión de la privacidad, pero el abogado de Welles le dijo que dudaba que Hearst procediera debido a la publicidad negativa y exigía el testimonio que traería una orden judicial. [16]: 209

El reportero de Hollywood publicó un artículo en primera plana el 13 de enero de que los periódicos de Hearst estaban a punto de publicar una serie de editoriales que atacaban la práctica de Hollywood de contratar refugiados e inmigrantes para trabajos que podían realizar los estadounidenses. El objetivo era presionar a los otros estudios para obligar a RKO a archivar Kane. [15]: 111 Muchos de esos inmigrantes habían huido de Europa después del ascenso del fascismo y temían perder el refugio de los Estados Unidos. [16]: 209 Poco después, Nicholas Schenck, director de la empresa matriz de Metro-Goldwyn-Mayer, se acercó a Schaefer con una oferta en nombre de Louis B. Mayer y otros ejecutivos de Hollywood a RKO Pictures de 805.000 dólares para destruir todas las impresiones de la película y quemar el negativo. [15]: 111–112 [104]

Una vez que el equipo legal de RKO tranquilizó a Schaefer, el estudio anunció el 21 de enero que Kane se lanzaría según lo programado y con una de las campañas promocionales más grandes en la historia del estudio. Schaefer llevó a Welles a la ciudad de Nueva York para una proyección privada de la película con los directores corporativos de los estudios de Nueva York y sus abogados. [15]: 112 No hubo objeciones a su publicación siempre que se hicieran ciertos cambios, incluida la eliminación o suavización de referencias específicas que pudieran ofender a Hearst. [15]: 112-113 Welles estuvo de acuerdo y redujo el tiempo de ejecución de 122 minutos a 119 minutos. Los recortes satisficieron a los abogados corporativos. [15]: 113

Respuesta de Hearst Editar

Escuchando acerca de Ciudadano Kane Hearst enfureció tanto que prohibió cualquier publicidad, reseña o mención de ello en sus periódicos, e hizo que sus periodistas difamaran a Welles. [104] Welles usó la oposición de Hearst como pretexto para ver la película en varias proyecciones de opinión en Los Ángeles, presionando por su valor artístico contra la campaña hostil que estaba llevando a cabo Hearst. [104] A principios de marzo tuvo lugar una proyección especial para la prensa. Henry Luce estuvo presente y, según los informes, quería comprar la película a RKO por $ 1 millón para distribuirla él mismo. Las revisiones de este cribado fueron positivas. A Revisión de Hollywood el titular decía: "El señor genio atraviesa la asombrosa imagen de 'Kane'". los Heraldo de la película informó sobre la proyección y la intención de Hearst de demandar a RKO. Tiempo La revista escribió que "La objeción del Sr. Hearst, quien fundó un imperio editorial sobre el sensacionalismo, es irónica. Para la mayoría de los cientos de personas que han visto la película en proyecciones privadas, Ciudadano Kane es el producto más sensacional de la industria cinematográfica de EE. UU. ". En abril se llevó a cabo una segunda proyección de prensa. [77]: 94

Cuando Schaefer rechazó la oferta de Hearst de suprimir la película, Hearst prohibió que todos los periódicos y estaciones de su conglomerado de medios revisaran, o incluso mencionaran, la película. También hizo que muchos cines lo prohibieran, y muchos no lo mostraron por temor a ser expuestos socialmente por su enorme imperio de periódicos. [105] El documental nominado al Oscar La batalla por el ciudadano Kane echa la culpa del relativo fracaso de la película directamente a los pies de Hearst. La película hizo un negocio decente en la taquilla y se convirtió en la sexta película más taquillera en su año de estreno, un éxito modesto que sus patrocinadores consideraron aceptable. Sin embargo, el desempeño comercial de la película no estuvo a la altura de las expectativas de sus creadores. [31] El biógrafo de Hearst, David Nasaw, señala que las acciones de Hearst no fueron la única razón Kane Sin embargo, fracasó: las innovaciones que Welles hizo con la narrativa, así como el oscuro mensaje en el corazón de la película (que la búsqueda del éxito es en última instancia inútil) hicieron que una audiencia popular no pudiera apreciar sus méritos. [106]: 572–573

Los ataques de Hearst contra Welles fueron más allá de intentar suprimir la película. Welles dijo que mientras estaba en su gira de conferencias posterior a la filmación, un detective de la policía se le acercó en un restaurante y le aconsejó que no regresara a su hotel. Según los informes, una niña de 14 años había estado escondida en el armario de su habitación, y dos fotógrafos estaban esperando a que entrara. Sabiendo que sería encarcelado después de la publicidad resultante, Welles no regresó al hotel sino que esperó hasta que el El tren salió de la ciudad a la mañana siguiente. "Pero ese no era Hearst", dijo Welles, "ese era un hombre armado del periódico local de Hearst que pensó que avanzaría a sí mismo al hacerlo". [17]: 85–86

En marzo de 1941, Welles dirigió una versión de Broadway de Richard Wright Hijo nativo (y, por suerte, usó un trineo "Rosebud" como accesorio). Hijo nativo recibió críticas positivas, pero los periódicos propiedad de Hearst aprovecharon la oportunidad para atacar a Welles como comunista. [16]: 213 Los periódicos de Hearst atacaron a gritos a Welles después de su obra de radio de abril de 1941, "His Honor, the Mayor", [107] producida para la serie de radio The Free Company en CBS. [40]: 113 [108]

Welles describió su encuentro casual con Hearst en un ascensor en el hotel Fairmont en la noche Ciudadano Kane abrió en San Francisco. El padre de Hearst y Welles eran conocidos, por lo que Welles se presentó y le preguntó a Hearst si le gustaría asistir a la inauguración. Hearst no respondió. “Mientras se bajaba en su piso, le dije: 'Charles Foster Kane habría aceptado'. Sin respuesta ”, recordó Welles. "Y Kane quiere que lo sepas. Ese era su estilo, justo cuando terminó la mala crítica de Jed Leland sobre Susan como cantante de ópera". [17]: 49–50

En 1945, el periodista de Hearst, Robert Shaw, escribió que la película recibió "una marea llena de furia insensata" de los periódicos de Hearst ", y luego disminuyó repentinamente. Con una célula cerebral funcionando, el jefe se dio cuenta de que los ladridos histéricos de las focas adiestradas también atraerían mucha atención a la imagen. Pero hasta el día de hoy, el nombre de Orson Welles figura en la lista oficial de hijos de puta de todos los periódicos de Hearst ". [109]: 102

A pesar de los intentos de Hearst de destruir la película, desde 1941 las referencias a su vida y carrera suelen incluir una referencia a Ciudadano Kane, como el titular 'Hijo del ciudadano Kane muere' para el obituario del hijo de Hearst. [110] En 2012, la propiedad de Hearst acordó proyectar la película en el castillo de Hearst en San Simeon, rompiendo la prohibición de Hearst sobre la película. [111]

Liberar Editar

La gerencia de Radio City Music Hall se negó a proyectar Ciudadano Kane para su estreno. Un posible factor fue la amenaza de Parsons de que El semanario americano publicaría una historia difamatoria sobre el abuelo del importante accionista de RKO, Nelson Rockefeller. [15]: 115 Otros expositores temían que Hearst los demandara por difamación y se negaron a mostrar la película. [16]: 216 En marzo, Welles amenazó a la junta de gobernadores de RKO con una demanda si no lanzaban la película. Schaefer apoyó a Welles y se opuso a la junta de gobernadores. [16]: 210 Cuando RKO aún retrasaba el lanzamiento de la película, Welles ofreció comprar la película por $ 1 millón y el estudio finalmente acordó lanzar la película el 1 de mayo. [16]: 215

Schaefer logró reservar algunos cines dispuestos a mostrar la película. Los periódicos de Hearst se negaron a aceptar publicidad. [15]: 115 Los anuncios publicitarios de RKO para la película la promovieron erróneamente como una historia de amor. [16]: 217

Kane abrió en el RKO Palace Theatre en Broadway en Nueva York el 1 de mayo de 1941, [8] en Chicago el 6 de mayo y en Los Ángeles el 8 de mayo [15]: 115 Welles dijo que en el estreno de Chicago asistió al el teatro estaba casi vacío. [16]: 216 Le fue bien en ciudades y pueblos más grandes, pero le fue mal en áreas más remotas. RKO todavía tenía problemas para que los expositores mostraran la película. Por ejemplo, una cadena que controlaba más de 500 salas de cine recibió la película de Welles como parte de un paquete, pero se negó a reproducirla, supuestamente por miedo a Hearst. [15]: 117 La interrupción de Hearst en el estreno de la película dañó su desempeño en taquilla y, como resultado, perdió $ 160,000 durante su ejecución inicial. [112]: 164 [113] La película ganó $ 23,878 durante su primera semana en Nueva York. En la novena semana solo ganó $ 7,279. En general, perdió dinero en Nueva York, Boston, Chicago, Los Ángeles, San Francisco y Washington, D.C., pero obtuvo ganancias en Seattle. [16]: 216

Respuestas contemporáneas Editar

Ciudadano Kane recibió elogios de varios críticos. Noticias diarias de Nueva York La crítica Kate Cameron la calificó como "una de las películas más interesantes y técnicamente superiores que jamás haya salido de un estudio de Hollywood". [114] New York World-Telegram El crítico William Boehnel dijo que la película era "asombrosa y pertenece a la vez entre los mayores logros de la pantalla". [115] Tiempo La revista escribió que "ha descubierto nuevas técnicas importantes en la creación de imágenes y la narración de historias". [16]: 211 Vida La reseña de la revista decía que "pocas películas han salido de Hollywood con una narrativa tan poderosa, una técnica tan original, una fotografía tan emocionante". [16]: 211 John C. Mosher de El neoyorquino calificó el estilo de la película como "como aire fresco" y elogió "Algo nuevo ha llegado al mundo del cine por fin". [109]: 68 Anthony Bower de La Nación lo calificó de "brillante" y elogió la cinematografía y las actuaciones de Welles, Comingore y Cotten. [116] John O'Hara Newsweek Review la calificó como la mejor película que había visto en su vida y dijo que Welles era "el mejor actor en la historia de la actuación". [16]: 211 Welles calificó la revisión de O'Hara como "la mejor revisión que alguien haya tenido". [46]: 100

Al día siguiente del estreno de Ciudadano Kane, Los New York Times El crítico Bosley Crowther escribió que "se acerca a ser la película más sensacional jamás realizada en Hollywood".

Cuente con el señor Welles: no hace las cosas a medias. . En la pantalla descubrió un área lo suficientemente grande para que sus caprichos expansivos tuvieran juego libre. Y la consecuencia es que ha creado una imagen de un alcance tremendo y abrumador, no tanto en extensión física como en su rápida y gráfica rotación de pensamientos. Welles ha puesto en la pantalla una película que realmente se mueve. [117]

En el Reino Unido C. A. Lejeune de El observador la llamó "La película más emocionante que ha salido de Hollywood en veinticinco años" [118] y Dilys Powell de El Sunday Times Dijo que el estilo de la película se hizo "con la facilidad, la audacia y los recursos de quien controla y no es controlado por su medio". [119]: 63 Edward Tangye Lean de Horizonte elogió el estilo técnico de la película, calificándola de "quizás una década por delante de sus contemporáneos". [120] [k]

Algunas críticas fueron mixtas. Otis Ferguson de La nueva república dijo que era "el golpe a mano alzada más audaz en la producción cinematográfica importante desde que Griffith y Bitzer se volvían locos para desencadenar la cámara", pero también criticó su estilo, calificándolo de "retroceso en la técnica cinematográfica" y afirmando que "no tiene nada de bueno lugar "en la historia del cine. [122] Ferguson reaccionó a algunas de las célebres técnicas visuales de la película llamándolas "simplemente incursiones deliberadas" y "el viejo juego de las cáscaras". En una reseña de una película poco común, el cineasta Erich von Stroheim criticó la historia y la estructura no lineal de la película, pero elogió el estilo técnico y las actuaciones y escribió: "Sea cual sea la verdad, Ciudadano Kane es una gran imagen y pasará al historial de la pantalla. ¡Más poder para Welles! "[123]

Algunos críticos destacados escribieron críticas negativas. En su revisión de 1941 para SurJorge Luis Borges calificó la película como "un laberinto sin centro" y predijo que su legado sería una película "cuyo valor histórico es innegable pero que a nadie le importa volver a ver". [124] La revista Argus Weekend El crítico Erle Cox calificó la película de "asombrosa", pero pensó que la ruptura de Welles con las tradiciones de Hollywood era "exagerada". [125] Tatler James Agate lo llamó "lo bien intencionado, confuso y aficionado que uno espera de los curiosos" [126] y "una película bastante buena que intenta ejecutar el ensayo psicológico en combinación con su thriller de detectives, y no bastante éxito ". [127] Eileen Creelman de El sol de Nueva York lo llamó "una imagen fría, sin emociones, un rompecabezas más que un drama". [43]: 178 Otras personas a las que no les gustó la película fueron W. H. Auden [46]: 98 y James Agee. [46]: 99 Después de ver la película el 29 de enero de 1942, Kenneth Williams, entonces de 15 años, escribiendo en su primer diario la describió secamente como "podredumbre boshey". [128]

Los críticos modernos han dado Ciudadano Kane una respuesta aún más positiva. El sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes informa que el 99% de 116 críticos dieron a la película una crítica positiva, con una calificación promedio de 9.70 / 10. El consenso crítico del sitio dice: "La historia épica de Orson Welles sobre el ascenso y caída de un magnate editorial es entretenida, conmovedora e inventiva en su narración, lo que le valió la reputación de ser un logro histórico en el cine". [129] En abril de 2021, se observó que la adición de una revisión negativa de 80 años de la Chicago Tribune redujo la calificación de la película del 100% al 99% en el sitio Ciudadano Kane mantuvo su calificación del 100% hasta al menos fines de febrero de 2021. [130]

Reconocimientos Editar

Otorgar Categoría Nominado (s) Resultado
Premios de la Academia [131] Película excepcional Mercurio Nominado
Mejor Director Orson Welles Nominado
Mejor actor Nominado
Mejor guión original Herman J. Mankiewicz y Orson Welles Ganado
Mejor dirección de arte: decoración de interiores, blanco y negro Perry Ferguson, Van Nest Polglase, Al Fields y Darrell Silvera Nominado
Mejor fotografía en blanco y negro Gregg Toland Nominado
Mejor montaje cinematográfico Robert Wise Nominado
Mejor puntuación de una película dramática Bernard Herrmann Nominado
Mejor grabación de sonido John Aalberg Nominado
Premios exclusivos de DVD Mejor comentario de audio Roger Ebert Ganado
Premios de la Junta Nacional de Revisión [132] [133] La mejor película Ciudadano Kane Ganado
Diez mejores películas Ganado
Mejor Actuación George Coulouris Ganado
Orson Welles Ganado
Junta Nacional de Preservación de Películas Registro Nacional de Cine Ciudadano Kane Instalado
Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York [134] La mejor película Ganado
Mejor Director Orson Welles Nominado
Mejor actor Nominado
Asociación de Cine y Televisión en Línea Salón de la fama - Película Ciudadano Kane Ganado
Premios de la Sociedad de Críticos de Cine en línea Mejor DVD en general Nominado
Premios satélite Mejor DVD clásico Citizen Kane: Ultimate Collector's Edition Nominado
Premios Saturno Mejor lanzamiento de edición especial de DVD / Blu-Ray Citizen Kane: 70th Anniversary Ultimate Collector's Edition Nominado
Encuesta sobre películas de Village Voice Mejor película del siglo Ciudadano Kane Ganado

Se creía ampliamente que la película ganaría la mayoría de sus nominaciones al Oscar, pero solo recibió el premio al Mejor Guión Original. Variedad informó que bloquean la votación por extras de pantalla privados Ciudadano Kane de Mejor Película y Mejor Actor, y es probable que prejuicios similares hayan sido responsables de que la película no reciba premios técnicos. [15]: 117 [135]

Ciudadano Kane fue la única película realizada bajo el contrato original de Welles con RKO Pictures, lo que le dio un control creativo completo. [16]: 223 El nuevo gerente comercial y abogado de Welles permitió que el contrato caducara. En julio de 1941, [136] [137] Welles firmó a regañadientes un acuerdo nuevo y menos favorable con RKO [16]: 223 bajo el cual produjo y dirigió Los Magníficos Ambersons (1942), producido Viaje al miedo (1943), y comenzó Todo es verdad, una película que acordó hacer sin pago. En el nuevo contrato, Welles era un empleado del estudio [138] y perdió el derecho al corte final, lo que luego permitió a RKO modificar y volver a cortar Los Magníficos Ambersons sobre sus objeciones. [16]: 223 En junio de 1942, Schaefer renunció a la presidencia de RKO Pictures y el contrato de Welles fue rescindido por su sucesor. [62]

Lanzamiento en Europa Editar

Durante la Segunda Guerra Mundial, Ciudadano Kane no se vio en la mayoría de los países europeos. Se mostró en Francia por primera vez el 10 de julio de 1946 en el teatro Marbeuf de París. [139]: 34–35 [l] Inicialmente, la mayoría de los críticos de cine franceses fueron influenciados por las críticas negativas de Jean-Paul Sartre en 1945 y Georges Sadoul en 1946. [15]: 118 En ese momento, muchos intelectuales y cineastas franceses compartían la negativa de Sartre. opinión de que los cineastas de Hollywood eran incultos. [141]: 124 Sartre criticó los flashbacks de la película por su preocupación nostálgica y romántica por el pasado en lugar de las realidades del presente y dijo que "toda la película se basa en un concepto erróneo de lo que es el cine. tiempo pasado, mientras que todos sabemos que el cine tiene que estar en tiempo presente ". [142] [143]

André Bazin, un crítico de cine poco conocido que trabajaba para Sartre's Les Temps modernes, se le pidió que diera un discurso improvisado sobre la película después de una proyección en el Teatro Colisée en el otoño de 1946 [139]: 36 y cambió la opinión de gran parte del público. Este discurso condujo al artículo de Bazin de 1947 "La técnica del ciudadano Kane", [141]: 125 que influyó directamente en la opinión pública sobre la película. [141]: 124 Carringer escribió que Bazin fue "el que más hizo para mejorar la reputación de la película". [15]: 118 [m] Tanto la crítica de Bazin a la película como sus teorías sobre el cine mismo se centraron en su fuerte creencia en la mise-en-scène. Estas teorías eran diametralmente opuestas tanto a la popular teoría del montaje soviético [67]: xiii como a las creencias políticamente marxistas y anti-Hollywood de la mayoría de los críticos de cine franceses en ese momento. [139]: 36 Bazin creía que una película debería representar la realidad sin que el cineasta imponga su "voluntad" al espectador, lo que apoyaba la teoría soviética. [67]: xiii Bazin escribió que Ciudadano Kane La puesta en escena creó una "nueva concepción de la realización cinematográfica" [67]: 233 y que la libertad dada a la audiencia de las tomas de enfoque profundo fue innovadora al cambiar todo el concepto de la imagen cinematográfica. [141]: 128 Bazin escribió extensamente sobre la puesta en escena en la escena en la que Susan Alexander intenta suicidarse, que fue una toma larga, mientras que otras películas habrían utilizado cuatro o cinco tomas en la escena. [67]: 234 Bazin escribió que la puesta en escena de la película "obliga al espectador a participar del significado de la película" y crea "un realismo psicológico que devuelve al espectador a las condiciones reales de percepción". [68]: 72

En su ensayo de 1950 "La evolución del lenguaje del cine", Bazin colocó Ciudadano Kane en el centro del escenario como una obra que marcó el comienzo de una nueva etapa en el cine. [144]: 37 Bazin, uno de los primeros críticos en defender las películas por estar al mismo nivel artístico que la literatura o la pintura, usó a menudo la película como un ejemplo de cine como forma de arte [141]: 129 y escribió que "Welles le ha dado al cine una restauración teórica. Ha enriquecido su repertorio fílmico con efectos nuevos u olvidados que, en el contexto artístico actual, adquieren un significado que no sabíamos que pudieran tener ”. [67]: 236 Bazin también comparó la película con la de Roberto Rossellini. Paisan por tener "el mismo concepto estético del realismo" [141]: 117-118 y a las películas de William Wyler filmadas por Toland (como Los pequeños zorros y Los mejores años de nuestras vidas), todos los cuales utilizaron una cinematografía de enfoque profundo que Bazin llamó "un paso dialéctico hacia adelante en el lenguaje cinematográfico". [68]: 71

El elogio de Bazin a la película fue más allá de la teoría cinematográfica y reflejó su propia filosofía hacia la vida misma. [141]: 125 Sus interpretaciones metafísicas sobre la película reflejan el lugar de la humanidad en el universo. [141]: 128 Bazin creía que la película examinaba la identidad de una persona y buscaba un significado. Representaba el mundo como ambiguo y lleno de contradicciones, mientras que las películas hasta entonces simplemente retrataban las acciones y motivaciones de las personas. [141]: 130 El biógrafo de Bazin, Dudley Andrew, escribió que:

El mundo de Ciudadano Kane, ese mundo misterioso, oscuro e infinitamente profundo del espacio y la memoria donde las voces se desvanecen en ecos lejanos y donde el significado se disuelve en la interpretación, le pareció a Bazin marcar el punto de partida desde el cual todos intentamos construir provisionalmente el sentido de nuestras vidas. . [141]: 129

Bazin pasó a co-fundar Cahiers du cinéma, cuyos colaboradores (incluidos los futuros directores de cine François Truffaut y Jean-Luc Godard) también elogiaron la película. [144]: 37 La popularidad de la teoría del autor de Truffaut ayudó a la reputación de la película y de Welles. [145]: 263

Reevaluación Editar

Para 1942 Ciudadano Kane había seguido su curso teatralmente y, aparte de algunas proyecciones en los cines de autor de la gran ciudad, desapareció en gran medida y tanto la reputación de la película como la de Welles cayeron entre los críticos estadounidenses. En 1949, el crítico Richard Griffith en su reseña del cine, La película hasta ahora, despedido Ciudadano Kane como ". tonto si no loco Freud". [15]: 117–118

En los Estados Unidos, fue descuidado y olvidado hasta su resurgimiento en la televisión a mediados o finales de la década de 1950. Tres eventos clave en 1956 llevaron a su reevaluación en los Estados Unidos: primero, RKO fue uno de los primeros estudios en vender su biblioteca a la televisión, y a principios de ese año Ciudadano Kane comenzó a aparecer en televisión en segundo lugar, la película se relanzó en los cines para coincidir con el regreso de Welles a los escenarios de Nueva York, donde interpretó Rey Lear y tercero, el crítico de cine estadounidense Andrew Sarris escribió "Citizen Kane: The American Baroque" para Cultura cinematográfica, y la describió como "la gran película estadounidense" y "el trabajo que influyó en el cine más profundamente que cualquier película estadounidense desde El nacimiento de una nación. "[146] Carringer considera el ensayo de Sarris como la influencia más importante en la reputación de la película en los Estados Unidos. [15]: 119

Durante la Expo 58, una encuesta de más de 100 historiadores del cine nombró Kane una de las diez mejores películas jamás realizadas (el grupo otorgó el primer lugar a Acorazado Potemkin). Cuando un grupo de jóvenes directores de cine anunció su voto para los seis primeros, fueron abucheados por no incluir la película. [147]: 152

En las décadas posteriores, su estatus crítico como la mejor película jamás realizada ha crecido, con numerosos ensayos y libros sobre ella, incluido Peter Cowie. El cine de Orson Welles, De Ronald Gottesman Centrarse en el ciudadano Kane, una colección de reseñas importantes y piezas de fondo, y más notablemente el ensayo de Kael, "Raising Kane", que promovió el valor de la película a una audiencia mucho más amplia de la que había alcanzado antes. [15]: 120 A pesar de sus críticas a Welles, popularizó aún más la noción de Ciudadano Kane como la gran película estadounidense. El auge de los circuitos de la casa de arte y la sociedad cinematográfica también contribuyó al redescubrimiento de la película. [15]: 119 David Thomson dijo que la película "crece con cada año a medida que Estados Unidos se parece a ella". [54]: 1172

La revista británica Vista y sonido de amplificador ha elaborado una lista de los diez primeros que encuesta a los críticos de cine cada década desde 1952, y está considerado como uno de los barómetros más respetados del gusto crítico. [148] Ciudadano Kane fue finalista hasta el top 10 en su encuesta de 1952, pero fue votada como la mejor película jamás realizada en su encuesta de 1962, [149] reteniendo el primer lugar en todas las encuestas posteriores [150] [151] [152] hasta 2012, cuando Vértigo lo desplazó. [153]

La película también se ha posicionado en el número uno en las siguientes listas de películas "mejores de": Julio Castedo Las 100 mejores películas del siglo, [154] Las 100 películas de Cahiers du cinéma pour une cinémathèque idéale, [155] Kinovedcheskie Zapiski, [156] Se acabó el tiempo las 100 mejores películas de la revista (Centenario), [157] La voz del pueblo las 100 mejores películas, [158] y las películas estadounidenses más importantes y menospreciadas de la Royal Belgian Film Archive. [159]

Roger Ebert llamó Ciudadano Kane la mejor película jamás realizada: "Pero la gente no siempre pregunta sobre la mejor película. Preguntan, '¿Cuál es tu película favorita?' De nuevo, siempre respondo con Ciudadano Kane." [160]

En 1998 Se acabó el tiempo realizó una encuesta de lectores y Ciudadano Kane fue votada como la tercera mejor película de todos los tiempos. [161] El 18 de febrero de 1999, el Servicio Postal de los Estados Unidos honró Ciudadano Kane incluyéndolo en su serie Celebre el siglo. [162] La película fue honrada nuevamente el 25 de febrero de 2003, en una serie de sellos postales estadounidenses que marcan el 75 aniversario de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. El director de arte Perry Ferguson representa a los artesanos del cine entre bastidores en la serie para la que se le representa completando un boceto. Ciudadano Kane. [163]

Ciudadano Kane ocupó el primer lugar en las encuestas de artistas y líderes de la industria cinematográfica del American Film Institute en 1998 [164] y 2007. [165] "Rosebud" fue elegida como la 17ª cita de película más memorable en una encuesta de AFI de 2005. [166] La banda sonora de la película fue una de las 250 nominadas a las 25 mejores bandas sonoras del cine estadounidense en otra encuesta de AFI de 2005. [167] En 2005, la película se incluyó en Tiempo Lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos. [168]

En 2012, el Motion Picture Editors Guild publicó una lista de las 75 películas mejor editadas de todos los tiempos según una encuesta de sus miembros. Ciudadano Kane fue incluido en segundo lugar. [169] En 2015, Ciudadano Kane ocupó el primer lugar en la lista de las "100 mejores películas estadounidenses" de la BBC, votada por críticos de cine de todo el mundo. [170]

El sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes informó que el 99% de los críticos le dieron a la película una reseña positiva basada en 116 reseñas de críticos aprobados, con una calificación promedio de 9.70 / 10. El consenso de los críticos del sitio web afirma: "La historia épica de Orson Welles sobre el ascenso y caída de un magnate editorial es entretenida, conmovedora e inventiva en su narración, lo que le valió la reputación de ser un logro histórico en el cine". [171] En otro sitio agregador, Metacritic, Ciudadano Kane tiene un puntaje promedio ponderado de 100 sobre 100 basado en 19 críticos, lo que indica "aclamación universal". [172]

Influencia Editar

Ciudadano Kane ha sido llamada la película más influyente de todos los tiempos. [173] Richard Corliss ha afirmado que la película de Jules Dassin de 1941 El corazón revelador fue el primer ejemplo de su influencia [174] y la primera referencia de la cultura pop a la película ocurrió más tarde en 1941 cuando la comedia de parodia Hellzapoppin ' contó con un trineo "Rosebud". [175] [n] La cinematografía de la película tuvo una influencia casi inmediata y en 1942 Director de fotografía estadounidense escribió "sin duda la tendencia más notoria en los métodos cinematográficos durante el año fue la tendencia hacia una definición más nítida y una mayor profundidad de campo". [177]: 51

La cinematografía influyó en John Huston El halcón maltés. El director de fotografía Arthur Edeson usó una lente de ángulo más amplio que Toland y la película incluye muchas tomas largas, ángulos bajos y tomas del techo, pero no usó tomas de enfoque profundo en escenarios grandes en la medida en que Ciudadano Kane hizo. A Edeson y Toland a menudo se les atribuye el mérito de revolucionar la cinematografía en 1941. [177]: 48–50 La cinematografía de Toland influyó en su propio trabajo en Los mejores años de nuestras vidas. Otras películas influenciadas incluyen Luz de gas, Mildred Pierce y Jane Eyre. [15]: 85-86 El director de fotografía Kazuo Miyagawa dijo que su uso del enfoque profundo fue influenciado por "el trabajo de cámara de Gregg Toland en Ciudadano Kane"y no por el arte tradicional japonés. [178]

Su cinematografía, iluminación y estructura de flashback influyeron en el cine negro de las décadas de 1940 y 1950 como Los asesinos, Guardián de la llama, Atrapó, El gran hombre [78]: 425 y Esta pistola de alquiler. [15]: 85-86 David Bordwell y Kristin Thompson han escrito que "durante más de una década a partir de entonces, las películas estadounidenses mostraron primeros planos exagerados e iluminación sombría, realzados por tomas largas y movimientos de cámara exagerados". Sin embargo, en la década de 1960, cineastas como los de los movimientos de la Nueva Ola francesa y Cinéma vérité favorecieron "imágenes más planas, más superficiales con un enfoque más suave" y Ciudadano Kane El estilo se volvió menos de moda. Los cineastas estadounidenses de la década de 1970 combinaron estos dos enfoques mediante el uso de tomas largas, cortes rápidos, enfoque profundo y tomas con teleobjetivo, todo a la vez. [145]: 798 Su uso de tomas largas influyó en películas como La jungla de asfalto, y su uso de la cinematografía de enfoque profundo influyó Gun Crazy, [145] : 389–390 La mano del látigo, El general del diablo y Se hace justicia. [145]: 414 La estructura de flashback en la que diferentes personajes tienen versiones en conflicto de eventos pasados ​​influenciados La commare secca [145]: 533 y Hombre de mármol. [145] : 747

La estructura de la película influyó en las películas biográficas. Lawrence de Arabia y Mishima: una vida en cuatro capítulos—Que comienzan con la muerte del sujeto y muestran su vida en flashbacks — así como el thriller de Welles Sr. Arkadin. [147]: 154 Rosenbaum ve similitudes en la trama de la película para Sr. Arkadin, así como el tema de la nostalgia por la pérdida de la inocencia a lo largo de la carrera de Welles, comenzando con Ciudadano Kane e incluyendo Los Magníficos Ambersons, Sr. Arkadin y Campanas a la medianoche. Rosenbaum también señala cómo la película influyó en Warren Beatty Rojos. La película describe la vida de Jack Reed a través de los ojos de Louise Bryant, al igual que la vida de Kane se ve a través de los ojos de Thompson y las personas a las que entrevista. Rosenbaum también comparó el montaje romántico entre Reed y Bryant con el montaje de la mesa del desayuno en Ciudadano Kane. [179] : 113–116, 300–302

Akira Kurosawa Rashomon a menudo se compara con la película debido a que ambos tienen estructuras de trama complicadas contadas por varios personajes de la película. Welles dijo que su idea inicial para la película era "Básicamente, la idea Rashomon usado más tarde, "[17]: 53 sin embargo, Kurosawa aún no había visto la película antes de hacer Rashomon en 1950. [180]: 78 Nigel Andrews ha comparado la compleja estructura de la trama de la película con Rashomon, El año pasado en Marienbad, Recuerdo y Magnolia. Andrews también compara a Charles Foster Kane con Michael Corleone en El Padrino, Jake LaMotta en Toro furioso y Daniel Plainview en Habrá sangre por sus representaciones de "megalómanos embrujados, presidiendo los fragmentos de [sus] propias [vidas]". [181]

Se han comparado las películas de Paul Thomas Anderson. Variedad comparado Habrá sangre a la película [182] y lo llamó "uno que rivaliza Gigante y Ciudadano Kane en nuestra tradición popular como historias de origen sobre cómo llegamos a ser las personas que somos ". [183] El maestro ha sido llamado "la única secuela espiritual de Movieland para Ciudadano Kane que no se arruga bajo la fuerte comparación ". [184] La red social ha sido comparada con la película por su descripción de un magnate de los medios y por el carácter de Erica Albright similar a "Rosebud". [185] La controversia del pirateo de Sony antes del lanzamiento de La entrevista trajo comparaciones del intento de Hearst de suprimir la película. [186] La estructura de la trama de la película y algunas tomas específicas influyeron en la Mina de oro de terciopelo. [187] Abbas Kiarostami El viajero ha sido llamado "el Ciudadano Kane del cine infantil iraní ". [188] El uso de diálogos superpuestos en la película ha influido en las películas de Robert Altman y Carol Reed. [78]: 412 películas de Reed Hombre extraño fuera, El tercer hombre (en el que aparecieron Welles y Cotten) y Marginado de las islas también fueron influenciados por la cinematografía de la película. [78]: 425

Muchos directores la han catalogado como una de las mejores películas jamás realizadas, incluidos Woody Allen, Michael Apted, Les Blank, Kenneth Branagh, Paul Greengrass, Satyajit Ray, [189] Michel Hazanavicius, Michael Mann, Sam Mendes, Jiří Menzel, Paul Schrader , Martin Scorsese, [190] Denys Arcand, Gillian Armstrong, John Boorman, Roger Corman, Alex Cox, Miloš Forman, Norman Jewison, Richard Lester, Richard Linklater, Paul Mazursky, Ronald Neame, Sydney Pollack [191] y Stanley Kubrick. [192] Yasujirō Ozu dijo que era su película no japonesa favorita y estaba impresionado por sus técnicas. [193]: 231 François Truffaut dijo que la película "ha inspirado más vocaciones al cine en todo el mundo que cualquier otra" y reconoció su influencia en La condesa descalza, Les Mauvaises Rencontres, Lola Montès, y 8 1/2. [194]: 279–280 Truffaut's Día por la noche rinde homenaje a la película en una secuencia de sueños que representa un recuerdo de la infancia del personaje interpretado por Truffaut robando fotos publicitarias de la película. [195] Numerosos directores de cine han citado la película como influyente en sus propias películas, incluidos Theo Angelopoulos, [196] Luc Besson, los hermanos Coen, Francis Ford Coppola, Brian De Palma, John Frankenheimer, Stephen Frears, Sergio Leone, Michael Mann , Ridley Scott, Martin Scorsese, Bryan Singer y Steven Spielberg. [197] A Ingmar Bergman no le gustó la película y la llamó "un aburrimiento total. Sobre todo, las actuaciones no valen nada. ¡La cantidad de respeto que tiene la película es absolutamente increíble!" [198]

William Friedkin dijo que la película lo influenció y la llamó "una verdadera cantera para los cineastas, al igual que Joyce Ulises es una cantera de escritores ". [199]: 210 La película también ha influido en otras formas de arte. La novela de Carlos Fuentes La muerte de Artemio Cruz se inspiró parcialmente en la película [200] y la banda de rock The White Stripes rindió un homenaje no autorizado a la película en la canción "The Union Forever". [201]

Recuerdos de películas Editar

En 1982, el director de cine Steven Spielberg compró un trineo "Rosebud" por 60.500 dólares. Era uno de los tres trineos de balsa utilizados en las escenas finales y el único que no se quemó. [202] [203] Después de la compra de Spielberg, se informó que el jubilado Arthur Bauer afirmó poseer otro trineo "Rosebud". [204] A principios de 1942, cuando Bauer tenía 12 años, ganó un concurso de publicidad de la RKO y eligió el trineo de madera como premio. [205] En 1996, la propiedad de Bauer ofreció el trineo de pino pintado en una subasta a través de Christie's. [205] El hijo de Bauer le dijo a CBS News que su madre una vez quiso pintar el trineo y usarlo como un soporte para plantas, pero Bauer le dijo que "lo guardara y lo pusiera en el armario". [206] El trineo se vendió a un postor anónimo por 233.500 dólares. [207]

Se creía que el Oscar de Welles al mejor guión original se había perdido hasta que fue redescubierto en 1994. Fue retirado de una subasta de 2007 en Sotheby's cuando las ofertas no alcanzaron su estimación de entre 800.000 y 1,2 millones de dólares. [208] Propiedad de la fundación benéfica Dax Foundation, [208] fue subastado por $ 861,542 en 2011 a un comprador anónimo. [209] El Oscar de Mankiewicz se vendió al menos dos veces, en 1999 y nuevamente en 2012, el último precio fue de $ 588,455. [210]

En 1989, la copia personal de Mankiewicz del Ciudadano Kane El guión fue subastado en Christie's. El volumen encuadernado en piel incluía el guión de rodaje final y una copia al carbón de americano que llevaban anotaciones escritas a mano, supuestamente hechas por los abogados de Hearst, de quienes se decía que lo habían obtenido de la manera descrita por Kael en "Raising Kane". [211] [212] Se estima que entre $ 70 000 y $ 90 000, [213] se vendió por un récord de $ 231 000. [214]

En 2007, la copia personal de Welles del último borrador revisado de Ciudadano Kane antes de que el guión de rodaje se vendiera en Sotheby's por 97.000 dólares. [208] Un segundo borrador del guión titulado americano, marcada como "copia de trabajo del Sr. Welles", fue subastada por Sotheby's en 2014 por $ 164,692. [215] [o] Una colección de 24 páginas de un guión de trabajo encontrado en las posesiones personales de Welles por su hija Beatrice Welles fue subastado en 2014 por $ 15,000. [217]

En 2014, una colección de aproximadamente 235 Ciudadano Kane Las imágenes fijas y las fotos de producción que habían pertenecido a Welles se vendieron en una subasta por $ 7,812. [218] [219]

El negativo de cámara compuesto de Ciudadano Kane se cree que se ha perdido para siempre. La explicación más común es que fue destruida en un incendio en un laboratorio de películas de Nueva Jersey en la década de 1970. Sin embargo, en 2021, Nicolas Falacci reveló que un colega le había contado "la historia real", cuando era uno de los dos empleados del laboratorio de restauración de películas que reunió la "restauración" de 1991 a partir de los mejores elementos disponibles. Falacci señaló que durante todo el proceso tuvo visitas diarias en 1990-1 de un "ejecutivo mayor de RKO que no se identificó apareciendo todos los días, nervioso y sudoroso". Según el colega de Falacci, este anciano estaba dispuesto a encubrir un error administrativo que había cometido décadas antes cuando estaba a cargo del inventario del estudio, que había provocado que los negativos originales de la cámara se enviaran a una planta de recuperación de plata, destruyendo la película de nitrato para extraer su valioso contenido de plata. El relato de Falacci es imposible de verificar, pero habría estado totalmente en consonancia con la práctica estándar de la industria durante muchas décadas, que consistía en destruir impresiones y negativos de innumerables películas antiguas consideradas no comercialmente viables, para extraer la plata. [220]

Las impresiones posteriores se derivaron de un positivo maestro (un elemento de conservación de grano fino) realizado en la década de 1940 y originalmente destinado a su uso en distribución en el extranjero. [221] Se utilizaron técnicas modernas para producir una impresión impecable para una reedición teatral del 50º aniversario en 1991 que Paramount Pictures lanzó para el entonces propietario Turner Broadcasting System, [222] que ganó $ 1.6 millones en Norteamérica. [223]

En 1955, RKO vendió los derechos de televisión estadounidense de su biblioteca de películas, incluyendo Ciudadano Kane, a C & ampC Television Corp. [224] En 1960, United Artists adquirió los derechos de televisión de la biblioteca de acción en vivo de la RKO anterior a 1959. RKO se quedó con los derechos de televisión no retransmitidos de su biblioteca. [225]

En 1976, cuando el video casero estaba en su infancia, el empresario Snuff Garrett compró los derechos de casete de la biblioteca RKO por lo que United Press International denominó "una miseria". En 1978, The Nostalgia Merchant lanzó la película a través de Media Home Entertainment. En 1980, la biblioteca de 800 títulos de The Nostalgia Merchant ganaba 2,3 millones de dólares al año. "Nadie quería casetes hace cuatro años", dijo Garrett a UPI. "No era la primera vez que la gente me llamaba loco. Para mí fue un pasatiempo que se convirtió en un gran negocio". [226] RKO Home Video lanzó la película en VHS y Betamax en 1985. [227]

En 1984, The Criterion Collection lanzó la película como su primer LaserDisc. Se hizo a partir de un positivo maestro de grano fino proporcionado por el Archivo de Cine y Televisión de UCLA. [228] Cuando se le dijo sobre el entonces nuevo concepto de tener un comentario de audio en el disco, Welles se mostró escéptico pero dijo que "en teoría, eso es bueno para enseñar películas, siempre y cuando no digan tonterías". [46]: 283 En 1992 Criterion lanzó un nuevo LaserDisc 50th Anniversary Edition. Esta versión tenía una transferencia mejorada y características especiales adicionales, incluido el documental El legado del ciudadano Kane y el primer corto de Welles Los corazones de la edad. [229]

Turner Broadcasting System adquirió los derechos de transmisión televisiva de la biblioteca RKO en 1986 [230] y los derechos mundiales completos de la biblioteca en 1987. [231] La unidad de video doméstico RKO se reorganizó en Turner Home Entertainment ese año. [232] En 1991 Turner lanzó una edición del 50 aniversario en VHS y como edición de coleccionista que incluye la película, el documental Reflexiones sobre el ciudadano Kane, El álbum del 50 aniversario de Harlan Lebo, un póster y una copia del guión original. [233] En 1996, Time Warner adquirió Turner y Warner Home Video absorbió Turner Home Entertainment. [234] En 2011, la unidad Warner Bros. de WarnerMedia tenía los derechos de distribución de la película. [235]

En 2001, Warner Home Video lanzó un DVD Edición de coleccionista del 60º aniversario. El DVD de dos discos incluía comentarios de largometraje de Roger Ebert y Peter Bogdanovich, así como un segundo DVD con el largometraje documental. La batalla por el ciudadano Kane (1999). Fue lanzado simultáneamente en VHS. [236] [237] El DVD fue criticado por ser "también brillante, demasiado limpio la suciedad y la mugre se habían limpiado, pero también gran parte de la textura, la profundidad y el sentido del grano de la película ". [238]

En 2003, la hija de Welles, Beatrice Welles, demandó a Turner Entertainment, alegando que el patrimonio de Welles es el propietario legal de los derechos de autor de la película. Ella afirmó que el trato de Welles para rescindir sus contratos con RKO significaba que los derechos de autor de Turner de la película eran nulos y sin efecto. También afirmó que a la herencia de Orson Welles se le debía el 20% de las ganancias de la película si no se confirmaba su reclamo de derechos de autor. En 2007 se le permitió continuar con la demanda, revocando la decisión de 2004 a favor de Turner Entertainment sobre el tema de los derechos de video. [239]

En 2011, se lanzó en Blu-ray y DVD en una edición del 70 aniversario. [240] El Crónica de San Francisco lo llamó "el lanzamiento en Blu-ray del año". [241] Los suplementos incluían todo lo disponible en el lanzamiento de Warner Home Video de 2001, incluido La batalla por el ciudadano Kane DVD. Una Ultimate Collector's Edition del 70 ° aniversario agregó un tercer DVD con RKO 281 (1999), una premiada película para televisión sobre la realización de la película. Los extras de su empaque incluían un libro de tapa dura y un folio que contenía mini reproducciones del programa original de souvenirs, tarjetas del lobby y memorandos de producción y correspondencia. [242] La transferencia para los lanzamientos de EE. UU. Se escaneó en resolución 4K a partir de tres impresiones diferentes de 35 mm y se corrigieron los problemas de calidad del DVD de 2001. [238] El resto del mundo continuó recibiendo lanzamientos de videos caseros basados ​​en la transferencia anterior. Esto se rectificó parcialmente en 2016 con el lanzamiento de la 75th Anniversary Edition tanto en el Reino Unido como en los EE. UU., Que fue un reempaquetado directo del disco principal de la 70th Anniversary Edition. [243] [244]

Controversia sobre la coloración Editar

En la década de 1980, Ciudadano Kane se convirtió en un catalizador en la controversia sobre la coloración de las películas en blanco y negro. Un defensor de la coloración de películas fue Ted Turner, [245] cuya Turner Entertainment Company era propietaria de la biblioteca RKO. [246] Un portavoz de Turner Entertainment declaró inicialmente que Ciudadano Kane no se colorearía, [247] pero en julio de 1988 Turner dijo, "¿Ciudadano Kane? Estoy pensando en colorearlo ". [248] A principios de 1989 se informó que dos empresas estaban produciendo pruebas de color para Turner Entertainment. Las críticas aumentaron cuando el cineasta Henry Jaglom declaró que poco antes de su muerte Welles le había implorado" no deje Ted Turner desfigura mi película con sus crayones "[249].

En febrero de 1989, el presidente de Turner Entertainment, Roger Mayer, anunció que el trabajo para colorear la película se había detenido debido a las disposiciones del contrato de 1939 de Welles con RKO que "podía leerse para prohibir la coloración sin el permiso de la propiedad de Welles". [250] Mayer agregó que el contrato de Welles era "bastante inusual" y "otros contratos que hemos comprobado no son así en absoluto". [251] Turner solo había coloreado el carrete final de la película antes de abandonar el proyecto. En 1991, un minuto de las imágenes de prueba coloreadas se incluyó en la BBC. Arena documental El ciudadano completo Kane. [p] [252]

La controversia sobre la coloración fue un factor en la aprobación de la Ley Nacional de Conservación de Películas en 1988, que creó el Registro Nacional de Películas al año siguiente. El presentador de ABC News, Peter Jennings, informó que "una de las principales razones para hacer esto es exigir que personas como el locutor Ted Turner, que ha estado agregando color a algunas películas y reeditando otras para televisión, pongan avisos en esas versiones que digan que las películas tienen ha sido alterado ". [253]


Hollywood de los 50

La década de 1950 fue una época de grandes cambios en la cultura estadounidense y en todo el mundo. En los Estados Unidos de la posguerra, la familia promedio creció en riqueza, lo que creó nuevas tendencias sociales, avances en la música y el auge de la cultura pop, en particular la introducción de los televisores. Para 1950, se estima que 10 millones de hogares poseían un televisor.

Un cambio en la demografía creó un cambio en el mercado objetivo de la industria cinematográfica, que comenzó a crear material dirigido a los jóvenes estadounidenses. En lugar de representaciones tradicionales e idealizadas de personajes, los cineastas comenzaron a crear historias de rebelión y rock n 'roll.

Esta era vio el surgimiento de películas con tramas más oscuras y personajes interpretados por estrellas “más atrevidas” como James Dean, Marlon Brando, Ava Gardner y Marilyn Monroe.

El atractivo y la conveniencia de la televisión provocaron una gran disminución en la asistencia al cine, lo que provocó que muchos estudios de Hollywood perdieran dinero. Para adaptarse a los tiempos, Hollywood comenzó a producir películas para televisión con el fin de ganar el dinero que estaba perdiendo en las salas de cine. Esto marcó la entrada de Hollywood en la industria de la televisión.


Historia de la película fotográfica - Primeras placas fotográficas

La película fotográfica es un material que se utiliza en cámaras fotográficas para recodificar imágenes. Está hecho de plástico transparente en forma de tira o lámina y tiene un lado cubierto con cristales de haluro de plata sensibles a la luz formados en una emulsión gelatinosa. Cuando una película fotográfica es expuesta a la luz por una cámara fotográfica, cambia químicamente dependiendo de la cantidad de luz absorbida por cada cristal. Estos cambios crean una imagen latente invisible en la emulsión, que luego se fija y se convierte en una fotografía visible. Las películas fotográficas en blanco y negro tienen una capa de cristales de haluro de plata, mientras que las películas en color tienen tres capas, cada una sensible a un color diferente. Algunas películas en color tienen incluso más capas.

Los primeros intentos en fotografía no utilizaron películas, sino láminas de cobre plateadas, papel y cuero, cubiertas con productos químicos sensibles a la luz. A mediados del siglo XIX, las placas de vidrio se convirtieron en estándar porque los primeros plásticos transparentes no podían lograr la opacidad del vidrio y seguían siendo mucho más caros que el vidrio. La primera película en rollo y flexible fue hecha por George Eastman en 1885, pero no fue en papel sintético sino en papel. La primera película en rollo sobre plástico transparente (sobre nitrocelulosa que es altamente inflamable) se inventó en 1889. La "película de seguridad" fue introducida por Kodak en 1908. Estaba hecha de acetato de celulosa y se inventó como reemplazo de la peligrosa película de nitrato. La película de nitrato era mucho más resistente, un poco más transparente y más barata y, debido a esa "película de seguridad", no la reemplazó por completo hasta 1951.

Las primeras placas fotográficas que podían producir imágenes en color aparecieron en 1855 pero requerían un equipo complejo, largos tiempos de exposición y no eran demasiado prácticas. Las películas en color aparecieron en la década de 1930, pero estas primeras películas produjeron imágenes demasiado oscuras. En 1936, Kodak comenzó a vender Kodachrome, que era mucho más similar a la película de color moderna porque utilizaba el método de color sustractivo. Esta película en color se utilizó para películas caseras y para cámaras fotográficas, pero seguía siendo demasiado oscura y mucho más cara que las películas en blanco y negro. Se necesitaron unos 40 años para que la película en color se convirtiera en estándar y para que el blanco y negro se utilizara para la fotografía con poca luz y para la fotografía artística.

Hoy en día existen diferentes tipos de películas:

Las películas impresas son películas estándar de uso común. Producen negativos transparentes (imágenes con colores invertidos) que se imprimen en papel fotográfico con el uso de una ampliadora o mediante impresión por contacto. Estas películas pueden ser en color o en blanco y negro.

La película de inversión de color (o "película de diapositivas") funciona igual que la película de impresión, pero no invierte los colores. Fabrica diapositivas (transparencias) que pueden colocarse en pequeños marcos de metal, plástico o cartón y utilizarse como diapositivas en proyectores o visores de diapositivas. También existen láminas de color reversible de gran formato. Son utilizados por fotógrafos profesionales para producir imágenes de muy alta resolución que luego se pueden escanear digitalmente.

Existe una película de reversión en blanco y negro, pero rara vez se usa. Se pueden producir diapositivas positivas en blanco y negro a partir de negativos sin muchos problemas y este método se utiliza con más frecuencia.

Las películas instantáneas se exponen y revelan mediante una cámara instantánea después de que se ha tomado una fotografía, sin necesidad de revelarlas en laboratorio.

Algunas películas están hechas para ser sensibles a radiaciones no visibles: ultravioleta e infrarroja.

Las películas hechas para ser sensibles a la radiación de rayos X se utilizan para imágenes médicas y pueden, por ejemplo, ver huesos rotos u objetos extraños en el cuerpo sin necesidad de cirugía invasiva.

Las fotografías utilizaron diferentes tipos de películas según sus características. La "velocidad de la película" describe la sensibilidad de una película a la luz. Las películas "lentas" tienen menor sensibilidad y deben exponerse a la luz durante mucho más tiempo para lograr la misma imagen que algunas películas "más rápidas".


Cine - HISTORIA

Esta importante página de destino proporciona una serie de artículos / páginas web para proporcionar un estudio completo de la historia del cine (películas, películas, etc.) por década - la forma de arte de entretenimiento más grande del siglo XX. Cada una de las secciones individuales de la década proporciona una historia escrita de varias partes de la década y enlaces a los hitos de cada año, las mejores películas de la década, los 10 principales éxitos de taquilla de la década (y por año), el historia del sexo en el cine durante la década, pantallas de título de películas (para películas en la década), ganadores de premios de la Academia (historia ahd) para cada año en la década, grandes citas de películas en la década, grandes últimas líneas de algunas de las películas de la década , los mejores accesorios cinematográficos de la década, las películas más influyentes de la década y un enlace a sus mayores fracasos de taquilla.

A continuación se incluye una cronología detallada de los hitos cinematográficos clave, los puntos de inflexión importantes y las fechas o eventos históricos importantes (organizados por década y año) que han tenido una influencia significativa en el organismo mundial del cine y han dado forma a su desarrollo.

Estas son las mejores o más grandes películas de cada año, a veces llamadas películas 'esenciales', las películas 'imprescindibles' antes de morir ', las mejores películas de todos los tiempos, las películas' A-list 'o las mejores películas, incluida una fuerte mezcla de películas en idiomas extranjeros, aunque no todas las películas premiadas o notables podrían enumerarse o describirse. También hay una muestra de algunas películas independientes y de culto.

Las 100 mejores clasificaciones de los éxitos de taquilla de Estados Unidos (nacionales) y mundiales se han recopilado a partir de varias fuentes recientes.

Esta lista proporciona las 100 mejores clasificaciones nacionales de EE. UU. (ajustado por inflación) (con una breve descripción resumida de cada película), para mostrar con bastante precisión qué películas han sido los mayores éxitos de taquilla durante un largo período de tiempo.

Las ganancias de taquilla a menudo han sido un gran predictor de los largometrajes que han sido los más favoritos, exitosos y populares. Sin embargo, no reflejan necesariamente las mejores (o más grandes) películas del año o de la década. También proporcionan una ventana a la época en que se estrenó originalmente la película. Ranking de los mejores largometrajes de EE. UU. Por década (basado en no ajustado ingresos brutos nacionales), junto con las clasificaciones de las mejores películas por año. Los ingresos brutos exactos en dólares de las películas en taquilla, especialmente durante las primeras décadas, a menudo son contradictorios, irregulares, poco fiables y, a veces, inexistentes.

Esta lista proporciona los 25 mejores éxitos de taquilla de verano, de acuerdo con su total de EE. UU. Doméstico clasificaciones de ingresos brutos no incluir ingresos por reediciones, reediciones o 3-D), para mostrar con bastante precisión qué películas han sido las más taquilleras durante los meses de verano.

Esta lista completa proporciona las mayores bombas, desastres y fracasos de taquilla de todos los tiempos (ordenados cronológicamente, por título de película). Las películas tienen el potencial de disparar las ganancias de un estudio, o de arruinarlo y arruinarlo. Las películas que cuestan más de lo que obtienen en ingresos (tanto nacionales como mundiales) se consideran catástrofes de taquilla o bombas.

Esta sección de Cine proporciona una breve descripción histórica de los primeros días del cine, incluida la era anterior al código, y el desarrollo del código de producción, seguido de una reducción de las restricciones y la censura. Luego, el sitio pasa a una encuesta detallada año por año de las películas y escenas sexuales más importantes e influyentes (ilustradas) a lo largo de toda la historia del cine, con una guía extensa de las páginas (organizadas por década y por tema).

Una lista ilustrada proporciona una colección sólida de más de 100 de las & quot; Películas más controvertidas & quot en la historia del cine (en orden cronológico por título de la película). Cada película está detalladamente descrita (e ilustrada) y proporciona información sobre la controversia.

Incluso el efecto de ver una película es un ejemplo perfecto de un efecto visual o especial. El ojo humano interpreta cada fotograma individual de una película como una acción fluida y fluida cuando se proyecta. Todos los hitos históricos más importantes en el desarrollo del arte especial de F / X, se presentan en esta extensa historia ilustrada, organizada cronológicamente. La animación celular, el modelado a escala, la modelación con plastilina, la composición digital, la animatrónica, el uso de maquillaje protésico, la transformación y las imágenes modernas generadas por computadora o gráficos por computadora (CGI) son solo algunas de las técnicas más modernas que se utilizan ampliamente para crear imágenes especiales o visuales increíbles. efectos.

A franquicia cinematográfica ahora se utiliza como un término para designar una serie de películas importante que se ha establecido como una serie de películas en curso, y es un producto potencial de venta de efectivo de merchandising (con el potencial de más secuelas). Esta extensa y notable sección de varias partes (ordenada alfabéticamente por título de franquicia cinematográfica) proporciona todas las principales franquicias cinematográficas y sus pantallas de título de películas a lo largo de la historia.

Los mejores accesorios de película evocan un sentido de nostalgia y relevancia cultural, y un accesorio bien seleccionado, reconocible e icónico puede servir como símbolo para toda la trama de una película. Esta sección proporciona ejemplos ilustrados de cientos de los mejores y más emblemáticos accesorios cinematográficos de la historia del cine (ordenados cronológicamente según la película). La palabra "prop" es una abreviatura de "propiedad", que se refiere a cosas, elementos u objetos del set que forman parte del diseño y la producción de una película.

los James Bond serie de películas es la serie continua más larga de películas en inglés. El héroe de acción de hoy en día, el personaje de James Bond '007' que se empleó para el Servicio Secreto de Su Majestad, se basó libremente en el personaje de las doce novelas de James Bond del británico Ian Fleming. Varios de los cuentos de Fleming fueron desarrollados por otros escritores. Se encuentran disponibles pantallas de título para las películas de Bond y enlaces a descripciones detalladas de cada uno de los títulos de las películas por parte de cada uno de los actores principales de Bond. Ver también Películas de James Bond - Resumen y Películas de James Bond clasificadas, así como una sección sobre los memorables Chicas Bond.

Se describe una amplia gama de películas navideñas para ofrecer un vistazo rápido a lo que podrían ser excelentes opciones de visualización: algunas son títulos muy conocidos y otras se olvidan y son menos anunciadas. los clásico Las películas navideñas abarcan los años desde la década de 1930 hasta la de 1970, mientras que el moderno Las películas navideñas van desde la década de 1980 hasta la última década.


Historia de la pelicula

Los salones de cinetoscopio pronto se extendieron con éxito a Europa. Sin embargo, Edison nunca intentó patentar estos instrumentos al otro lado del Atlántico, ya que se basaban en gran medida en experimentos e innovaciones anteriores de Gran Bretaña y Europa. Esto permitió el desarrollo de imitaciones, como la cámara ideada por el electricista británico y fabricante de instrumentos científicos Robert William Paul y su socio Birt Acres.

Paul tuvo la idea de mostrar imágenes en movimiento para audiencias grupales, en lugar de solo para espectadores individuales, e inventó un proyector de películas, dando su primera exhibición pública en 1895. Casi al mismo tiempo, en Francia, Auguste y Louis Lumière inventaron el cinematógrafo, un dispositivo portátil tres en uno: cámara, impresora y proyector. A finales de 1895 en París, el padre Antoine Lumière inició exposiciones de películas proyectadas ante el público de pago, iniciando la conversión general del medio en proyección (Cook, 1990). Rápidamente se convirtieron en los principales productores de Europa con sus actualizaciones como Workers Leaving the Lumière Factory y viñetas cómicas como The Sprinkler Sprinkled (ambas de 1895). Incluso Edison, inicialmente desdeñoso de la proyección, se unió a la tendencia con el Vitascope en menos de seis meses. Sin embargo, la primera presentación cinematográfica pública en Europa pertenece a Max y Emil Skladanowsky de Berlín, quienes proyectaron con su aparato "Bioscop", una construcción dúplex sin parpadeos, del 1 al 31 de noviembre de 1895.

Aún más antiguo, mayo de 1895, era Lauste en los EE. UU. Con un Eidoloscopio que ideó para la familia Latham. La primera proyección pública de una película se debe a Jean Aimé "Acme" Le Roy, un fotógrafo francés. El 5 de febrero de 1894, cuando cumplió 40 años, presentó su "Cinematógrafo Maravilloso" a un grupo de alrededor de veinte hombres del mundo del espectáculo en la ciudad de Nueva York.

Las películas de la época se vieron principalmente a través de espacios de escaparates temporales y exhibidores itinerantes o como actos en programas de vodevil. Una película puede durar menos de un minuto y normalmente presenta una única escena, auténtica o escenificada, de la vida cotidiana, un evento público, un evento deportivo o payasadas. Había poca o ninguna técnica cinematográfica: sin edición y, por lo general, sin movimiento de cámara, y composiciones planas y escénicas. Pero la novedad de las fotografías en movimiento de forma realista fue suficiente para que la industria cinematográfica se multiplicara antes de fin de siglo en países de todo el mundo.


VARIEDADES DE LA HISTORIA DEL CINE

Dado el hecho de que el cine es a la vez arte, industria, medios de comunicación y una forma influyente de comunicación cultural, no es sorprendente que la historia del cine pueda abordarse desde varios ángulos muy distintos. La preocupación por la tecnología, por ejemplo, plantea interrogantes sobre la invención, introducción y difusión de cámaras y sistemas de proyección de imágenes en movimiento, así como sobre procesos de color, sonido y pantalla ancha. La historia de la tecnología ha sido especialmente prominente en las discusiones sobre el período anterior a 1900, la transformación al sonido a finales de los años veinte y treinta y la lucha por competir con la televisión durante los cincuenta. Explorar la historia de las películas caseras y las películas de aficionados también implica necesariamente cuestiones de la llamada tecnología de "pequeño calibre" (más notablemente, 8 mm y 16 mm), y cualquier descripción más amplia de la exhibición de películas debe tener en cuenta la tecnología del sala de cine, incluido el aparato de proyección y, a partir de los años 80, sofisticados sistemas de sonido.

La tecnología está íntimamente relacionada con la economía de la industria cinematográfica, otro aspecto clave de la historia del cine que ha recibido un interés considerable por parte de los académicos. Se ha prestado mayor atención al funcionamiento interno y las transformaciones en curso del sistema de estudios de Hollywood, tanto en términos de cómo han operado los estudios individuales como también en términos de los esfuerzos concertados de los estudios para mantener el control monopólico sobre la industria. La historia económica también aborda las relaciones laborales y la sindicalización, los intentos del gobierno de regular la industria cinematográfica a través de acciones antimonopolio y el marco financiero y la afiliación corporativa de los principales estudios de Estados Unidos y Europa. Igualmente fundamentales para cualquier comprensión histórica de la economía de la industria son las complejas relaciones entre producción, distribución y exhibición, incluido el papel de Hollywood en la exportación de películas estadounidenses al resto del mundo. Si bien la exposición ha recibido recientemente una atención considerable, como en, por ejemplo, Douglas Gomery Placeres compartidos (1992) y Gregory A. Waller Ir al cine en América (2002) —la distribución sigue siendo poco estudiada.

Más que la economía, la tecnología también figura en lo que se ha llamado historias formalistas o estéticas del cine, que tienden a centrarse en cuestiones relativas al estilo narrativo y audiovisual y, de manera más general, al arte y la artesanía del cine. Este enfoque ha tendido a enfatizar las obras maestras y los grandes directores, celebrando sus innovaciones y contribuciones a una tradición de arte cinematográfico. La teoría del autor, por ejemplo, ha informado a gran parte de la historia del cine popular. Al mismo tiempo, los enfoques más sistemáticos (incluso basados ​​en estadísticas) de la historia del estilo cinematográfico se han centrado menos en directores de fama mundial como DW Griffith (1875-1948), Sergei Eisenstein (1898-1948) y Jean Renoir (1894-1948). 1979) y más en las normas y oportunidades disponibles para los cineastas en condiciones específicas de producción, dentro y fuera de Hollywood. Dichos enfoques consideran, por ejemplo, cómo las prácticas de edición, el movimiento de la cámara y los usos de la banda sonora han cambiado con el tiempo.

El estudio histórico de los géneros cinematográficos también retoma preocupaciones formales, así como otros temas relacionados con el papel cultural e ideológico del cine popular. La historia del cine estadounidense a veces se ha entendido principalmente en términos de la evolución de la suerte de géneros como el cine de gánsteres, el western, el cine negro y el musical. Más interesante es la considerable cantidad de trabajo histórico que se ha realizado sobre géneros individuales, que ofrece una imagen compleja de cómo los géneros emergen, florecen y declinan tanto en términos de las películas producidas como de la recepción de estas películas por parte del público en ese momento y por parte del público. generaciones posteriores de fanáticos y críticos. La historia de los géneros cinematográficos, tal como la presenta, por ejemplo, James Naremore en Más que la noche (1998), también ha planteado preguntas importantes sobre las relaciones intermedias, es decir, la forma en que el curso de la historia del cine se ha visto afectado significativamente por las prácticas contemporáneas en la literatura, el teatro en vivo, la radio, la música popular y la televisión.

Los géneros populares, como era de esperar, a menudo ocupan un lugar destacado en las historias sociales o culturales, que buscan en una variedad de formas diferentes situar la película dentro de un contexto más amplio o cambiar el enfoque de películas, directores y estudios individuales a preguntas sobre cómo el cine se construye, circula, comprende y supervisa en una clase, región o subcultura en particular o en la sociedad en general. Una de las principales preocupaciones de la historia social es la audiencia de la película: ¿cómo se ha definido y vigilado? ¿Cuál es su composición en términos de clase, raza y género? ¿Cuál es su recepción de películas en particular y del cine en general? Explorar lo que ha significado ir al cine en situaciones históricas específicas ha implicado necesariamente una mayor atención a las prácticas y estrategias de exhibición cinematográfica. Desde Nickelodeon y Picture Palace hasta autocine y megaplex suburbano, el cine ha demostrado ser un sitio clave para explorar el lugar del cine en la vida cotidiana del siglo XX y para considerar cómo una experiencia cinematográfica está destinada a un público nacional o mundial. La audiencia se presenta y consume a nivel local.

Otras áreas importantes de investigación histórica social y cultural son la importancia ideológica de las representaciones cinematográficas (de raza, género y sexualidad, por ejemplo) los procesos formales e informales de censura el papel de la política cultural oficial del gobierno (que es de particular importancia fuera del Estados Unidos) y las conexiones entre el cine y la cultura del consumidor, a través de publicidad, productos vinculados, etc. A este respecto, reviste una importancia crucial la gran cantidad de material escrito que rodea y se relaciona con las películas, desde revistas especializadas y material promocional hasta reseñas, revistas de fans y, más recientemente, sitios de Internet.


Historia del cine y del amplificador

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